APPh. - Associação Portuguesa de Photographia

Workshop: Passepartouts e caixas de acondicionamento.

2012-01-17T14:48:00.004Z

21 Jan 2012 Sábado, 10h00-13h00 e 14h30-17h30
Vamos aprender a fazer passepartouts e caixas de acondicionamento

Workshop em 1 sessão a 21 de Janeiro 2012

Passepartouts e caixas de cartão são dispositivos úteis para o acondicionamento de obras de arte. O passepartout tem como função proteger os trabalhos sobre papel do contacto directo com o vidro da moldura e pode ter também uma função decorativa, quando utilizado como complemento da própria obra, quer se trate de desenho, aguarela, gravura, fotografia ou outra.

A caixa de cartão serve para acondicionar os trabalhos tridimensionais, protegendo-os nas melhores condições.

Com recurso a materiais e ferramentas acessíveis podemos construir os nossos próprios passepartouts e caixas de acondicionamento. Para isso, propõe-se a realização de um workshop com a duração de 1 dia/6 horas, orientado por Agostinho Oliveira, técnico especializado da área da conservação e restauro do papel, o qual transmitirá os conhecimentos básicos nesta área, conduzindo os participantes na realização de alguns exemplares.

Os materiais necessários serão fornecidos pelo Museu.

Sessão: 21 de Janeiro 2012 (Sábado), 10h00 – 13h00 e 14h30 – 17h30

Nº máximo de participantes: 12

Período de inscrição: de 4 a 18 de Janeiro (através do telef. 21.3912800)

Preço: sem almoço – 30 €

com almoço incluído – 38,00€

Nota: o museu reserva-se o direito de não realizar esta formação no caso de não haver um número mínimo de inscrições.

Para além da luz / Beyond the light

2012-01-17T08:20:00.000Z

A exposição reúne um conjunto de 30 fotografias inéditas a preto e branco, de finais da década de 50 até à atualidade, comissariada por Adriana Delgado Martins.
O corpo de obras apresentadas, de corte natural, abstrato e, por vezes, social, tiradas em várias épocas e em diferentes ‘instantes fotográficos’ guia o nosso olhar por uma série de ângulos e pontos de vista diversos de acordo com o espírito do momento.
O fio condutor e denominador comum desta exposição aspira a um pensamento aberto não parcelar, não redutor, muito para além da fotografia. A maneira aparentemente simples como os fenómenos da natureza e cenários próximos (que à primeira vista parecem ser simples) nos são transmitidos, tem por objetivo explorar a complexidade e interferências das leis que as governam como fenómenos constitutivos do objeto numa escala de organização simples que se torna complexa, indo do particular para a generalidade.

Arte Contempo

R. dos Navegantes, 46 A, Lisboa

Quinta a Sábado, das 14h30 às 19h30.

http://www.artecontempo.org/

"O Império Invisível" da fotografia portuguesa na Tailândia

2011-12-27T11:21:00.015Z

"O Império Invisível" / "เอ็มไพร์ที่มองไม่เห็น"ของการถ่ายภาพโปรตุเกสในประเทศไทย

Por ocasião do lançamento da revista anual “XXI, Ter Opinião”, publicada pela Fundação Francisco Manuel dos Santos, e depois de ter lido o artigo “Crise, crença e criação” escrito pelo Professor Jorge Calado no primeiro número da revista, fiquei a pensar na citação que fez de Winston Churchil e que nos recorda que, criticado por gastar dinheiro no apoio às artes, terá respondido: “Mas não é para salvar a cultura que estamos em guerra?” Os períodos de crise são favoráveis à criação artística e científica? O artigo responde à pergunta a que já me tinha respondido Jorge Calado – depende daqueles que nos governam nessas alturas.

Neste preciso momento Portugal está em crise, esta é a nossa guerra. Não se trata de uma guerra convencional de trincheiras ou de bombardeamentos aéreos. É uma guerra de valores, interesses económicos, jogos de poder e de influência; tempo inquieto de decisões inadiáveis, com danos colaterais de dimensões imprevisíveis que vão incidir no desemprego, na fome e na miséria das populações. Uma guerra para onde os portugueses foram arrastados pela “Europa Unida”, da qual fazem parte e a ela conduzidos pelos seus governantes. Uma guerra que não se confina a Portugal e nem se limita ao velho continente. Mesmo assim, os responsáveis políticos pela condução e planificação cultural, na atual situação económica que Portugal atravessa, também eles, têm que ser criativos, não podem reduzir a sua ação apenas a uma economia de gastos e conduzir o país a um vazio cultural inaceitável.

Nessa mesma noite acabaria por ficar à conversa com o Professor. Falámos do que os dois gostamos muito, da fotografia, disto e daquilo, coisas que a poucos interessa. Jorge Calado acabaria por me contar que alguém numa universidade em Camberra pretendia informações sobre os fotógrafos do século XIX na Ásia, mais concretamente na Ásia banhada pelo oceano pacífico. Nem de propósito, pois o meu irmão, Miguel Castelo-Branco, estava a trabalhar na exposição “Das Partes do Sião”, que integra as Comemorações dos 500.º aniversário das relações Luso-Tailandesas. Eu tinha adquirido recentemente para a minha coleção uma quantidade considerável de fotografias da autoria de Francisco Chit e Joaquim António, quiçá os maiores expoentes da história da fotografia no Sião. Tudo parecia conjugar-se sem que nada tivesse sido programado. Algumas das fotografias que fazem parte dessa aquisição (O retrato do Rei Chulalongkorn, 1873 feito por Francisco Chit; os “protegidos chineses” fotografados por Joaquim António frente ao consulado português em Bangkok aquando do aniversário do Rei D. Carlos em 1899 e um grupo de músicos da Sociedade Philarmonica de Bangkok em 1900 onde identificámos o fotógrafo Joaquim António) acabariam por figurar na exposição “Das Partes do Sião”, na Biblioteca Nacional de Portugal e que recomendo ser visitada até dia 18 de Fevereiro de 2012. São estes os momentos em que podemos reencontrar aliados que são fruto da nossa relação com os povos e as nações em outras alturas da história.

Segunda coroação do Rei Chulalongkon, em Outubro de 1873, Sentado com regalia (coroa, ceptro, sandálias, caixa de bétele, escarrador, incenso...). Fotografia de Francis Chit (Khun Sunthom Sathitsalak), 1830-1891. Papel albuminado colado sobre cartão, dimensões: 26,3 x 22 cm.

Fotografia de Francis Chit ca. 1869. Papel albuminado colado sobre cartão, dimensões: 23 x 18 cm.

No catálogo da exposição podemos ler sobre a Época de Ouro dos Protukét do Sião: “Houve alguém que um dia se referiu a um «Império Sombra» português localizado a Oriente do Cabo da Boa Esperança. Outro Investigador chamou-lhe «Império Informal». Não havia sido nem comprado, conquistado ou financiado por Goa ou Lisboa, mas fora-se povoando de forma pacífica por soldados retirados do serviço activo, bem como por fugitivos. Casaram, assentaram e ficaram”. Miguel Castelo-Branco chama-lhe «Império Invisível», esclarecendo que “estava por todo o lado e em local algum, nem era entendido como tal nem pelos seus membros nem pelos povos a que se acolhiam, mas que, no entanto, funcionava como uma poderosa rede clientelar, de afectos e defesa de uma certa ideia de fraternidade universal muito parecida com a cultura de resistência, teimosa mas inaudível, da diáspora judaica.
Porém, ao contrário de judeus e arménios, que se encontravam um pouco por todo o Oriente tocado pelas rotas comerciais árabes e persas, as lusotopias mestiças identificavam-se com um estado presente no continente (Portugal), ligando-se-lhe por laços, vagos mas poderosos de lealdade cultural, linguística, mas sobretudo religiosa.”

Sobre as imagens do Sião nos séculos XIX e inicio do XX, atrevo-me a afirmar que, no que diz respeito à história da fotografia no mundo, também existe um “Império Invisível”. No mesmo catálogo “Das Partes do Sião”, Miguel Castelo-Branco escreve sobre Francisco Chit e Joaquim António, fotógrafos:

Autoretrato de Luang Akani Naruemitr, aliás Francis Chit quando era ainda Khun Sunthorn Satisluksana, títulos que lhe foram concedidos por Rama IV e Rama V.

“O primeiro fotógrafo profissional do Sião foi um Protukét, filho de Teng, chinês católico casado com uma Protukét de Thonburi, Francisco Chit (1830-1891) estudou na escola do palácio. O Rei Mongkut dele fez fotógrafo oficial, concedendo-lhe o título de Khun Suthorn Satisalak É possível que as primícias do jovem Francisco tivessem sido estimuladas ou por um padre da paróquia de santa Cruz de Thonburi – Larnaudie, um entusiasta da fotografia. Francisco recebia diariamente entre as sete e as onze horas da manhã, aproveitando a luz natural que coava pela clarabóia do estúdio, oferecendo aos clientes fotos em formato carte de visite ou cabinet, coladas sobre cartões de cor rocha, verde ou preta. Dava, porém, preferência a fotos de exteriores, escolhendo o Ananta Samakon, nas cercanias do palácio real ou Bang Pa-In, residência de Verão do Rei, para explorar as potencialidades da luz solar. Ao longo de dois reinados que serviu como fotógrafo oficial, fotografou vistas das mais importantes cidades do reino, a arquitectura monumental da capital e a sua transformação. Acompanhou o jovem Rei Chulalongkorn na visita a Singapura e às Índias Orientais Holandesas. Francisco sabia negociar e cultivava com grande desembaraço as novas técnicas da publicidade. Adaptou o nome de baptismo, dando-lhe a ressonância cosmopolita de Francis e anunciava com frequência nas páginas do Siam Mercantile Gazette, no Bangkok Times, Bangkok Summary e Bangkok Recorder – jornais em língua inglesa – bem como na imprensa em língua thai. Em Janeiro de 1865, nas páginas do Bangkok Recorder [«Francis Chit», in The Bangkok Recorder, 14 January 1865, p.6.] apresentava-se como artista de grande potencial, habilitado para tirar fotografias de todos os formatos e possuidor de port-folio com vistas de Bangkok, cenas campestres, edifícios públicos, templos, palácios e figuras destacadas das hierarquias civil e religiosa do país. Para marcar os seus produtos usava selos da sua autoria: Francis Chit Bangkok, F. Chit, F. Chit & Son, by Appointment Photographer to H. M. e, depois, Khoom Soondr Sadislack [...].

Selo de Francis Chit no verso de uma carte-de-visite

Como bom homem de negócios, Francisco Chit sabia prever o futuro e investiu na família. Do seu primeiro casamento, nasceram quatro filhos, dois dos quais seguiram as pisadas do pai. Tong Dee, que herdou a empresa de Francisco, era um homem de talento. Foi o primeiro siamês a receber formação técnica e artística na Alemanha, onde passou quatro anos como aluno aprendiz de Bernhard Kindermann Ao regressar ao Sião, aprofundou a parceria com o pai e foi-se lentamente apossando da atividade da empresa. Rama V fê-lo Khun Chaya Sathisakon. Ainda do primeiro casamento, uma outra vocação. A sua filha Soi era, também, aficionada da fotografia e explorou com sagacidade a sua condição de mulher. A Cidade Interior – isto é, o gineceu – estava vedada a homens, pelo que Soi ali se introduziu como artista de fotografia, respondendo à febre pelas imagens que contagiava a alta sociedade siamesa. Quando Rama V visitou a Europa, em 1893, a Rainha Saovabha Bongsri ocupou a regência durante a ausência do seu real esposo. Para muitos actos a que presidia na condição de regente, requereu os trabalhos de Soi. De um segundo casamento, Francisco teve um filho chamado Tam, que não foi apenas fotógrafo como o pai, mas também cineasta. Nai Tam teve um filho, igualmente fotógrafo profissional e a sua linhagem familiar e artística prolongou-se até finais do século XX.”

Musicos, Bangkok, postal n.º 457 a partir de fotografia de Joaquim António ca. 1902.

“Joaquim António nasceu em Macau e aí terá frequentado o ensino básico e, depois, recebido formação técnico-profissional em Hong Kong, onde obteve diploma de Construção de Obras Públicas e Minas. São obscuros os primeiros anos da sua estadia no Sião, mas sabe-se que trabalhou como desenhador técnico para o Departamento de Caminhos-de-Ferro. Depois, instalou-se por conta própria abrindo um estúdio na Charoen Krung – principal artéria comercial de Bangkok – aí recebendo os melhores clientes: os ricos e os influentes. Homens de negócios, os príncipes da parentela real e os diplomatas estrangeiros em missão de visita a Rama V pousavam para a sua objectiva, em frente de cenários de papelão e estuque ou nos exteriores. Fizera trabalhos para a legação britânica, que lhe valeram a admiração e carta de recomendação de Mr. Burnes – Chargé d’Affaires daquela representação diplomática – a um dos irmãos do Rei.

Mulheres tailandesas fotografadas por Joaquim António ca. de 1902 e reprduzidas em postais que eram comercializados pelo fotógrafo. As fotografias foram publicadas em: "The 1904 Traveller's Guide to Bangkok and Siam" e "Twentieth century impressions of Siam", em 1908.

Convidado para fotógrafo da casa real, António expôs trabalhos seus na Exposição de Hanói (1902), já na condição de «fotógrafo do Rei do Sião», aí apresentando «uma bela colecção de fotografias que nos iniciam no charme da aldeia e dos campos siameses, dos tipos masculinos e femininos, interessantes pelo etnográfico, nos trabalhos empregues para a cultura do arroz, tão característico, mau grado as tendências progressivas de S. M. o Rei Chulalongkorn».

Dois anos volvidos, apresentou-se na Feira Mundial de Saint Louis (1904), onde foi premiado com uma medalha de prata pela «melhor colecção de vistas do Sião e países vizinhos».

Em 1904 lançou The 1904 Traveller’s Guide to Bangkok and Siam, o primeiro guia turístico publicado no Sião.” [vide Albert Ducarre – Mission à l’exposition de Hanói et en Extrême – Orient: [1902-1903]: rapport general. Paris: [s.n.], 1903, p.65. Charlton Bristow Perkins – Travels from the grandeurs of the West to mysteries of the East. San Francisco: The CB Perkins Company, 1909, p. 325.]

Parece que o Sião é um caso único e muito particular da fotografia no Sudeste-Asiático, onde destacamos a paixão pela fotografia por parte da família real e ao mesmo tempo uma forte resistência à intrusão de fotógrafos estrangeiros no território.

Pensamos que estes dois factores contribuíram para a importância de Francis Chit, e mais tarde de Joaquim António, na fotografia fixada na Tailândia, até porque, os dois terão sido uma espécie de "cronistas de imagem" da família real tailandesa durante pelo menos 60 anos em que a acompanharam em viagens, nos eventos oficiais e na corte.

Ângela Camila Castelo-Branco e António Faria

"Das Partes do Sião" / "ของหุ้นของ บริษัท สยาม"

2011-12-05T18:24:00.004Z

A Biblioteca Nacional de Portugal, em colaboração com o Instituto do Oriente (ISCSP, Universidade Técnica de Lisboa,) associa-se a estas comemorações, organizando uma exposição documental e bibliográfica que reúne pela primeira vez os monumentos portugueses originais mais significativos para compreensão desta excepcional relação.

Presente n’Os Lusíadas de Luís de Camões, na Peregrinação de Fernão Mendes Pinto, nas Décadas de Barros, nas Lendas de Gaspar Correia, na cartografia de Fernão Vaz Dourado, nas cartas de Afonso de Albuquerque, na documentação setecentista do antigo estabelecimento português de Bangkok, na documentação diplomática e tratados oitocentistas, o Sião visto de Portugal estará bem presente nesta exposição que também inclui rara iconografia da feitoria portuguesa de Bangkok e das visitas de Estado dos reis Chulalongkorn (1897) e Bumibhol (1960 ).

Organizado em torno de núcleos fundamentais – a visão quinhentista do Sião e as primeiras iniciativas diplomáticas; o estabelecimento português de Ayhuttaya e as missões; o período de Bangkok e os notáveis luso-siameses; os grandes tratados oitocentistas; as visitas reais a Portugal nos séculos XIX e XX; a historiografia portuguesa e a Tailândia – o percurso expositivo pretende, assim, ilustrar a continuidade dessa secular relação nas suas vertentes geográficas, literárias, sociais, religiosas, artísticas, comerciais, diplomáticas e historiográficas.

© Colecção Ângela Camila Castelo-Branco e António Faria

Segunda coroação do Rei Chulalongkorn, em Outubro de 1873. Sentado com a regalia (coroa, ceptro, sandálias, caixa de bétele, escarrador, incenso...)

Fotografia de Francis Chit (Khun Sunthornsathitsalak), 1830-1891. Papel albuminado colado sobre cartão, dimensões 26,3 x 22 cm

Os “protegidos chineses” no consulado português em Banguecoque, por ocasião do aniversário do Rei D. Carlos, em 1899.

Fotografia de Joaquim António, 1857, Macau – 1912, Banguecoque. Papel albuminado, dimensões 21,4 x 29 cm

Inauguração da exposição "Das Partes do Sião", 7 de Dezembro de 2011, 18h00, Sala de Exposições, Piso 3. Até 18 de Fevereiro de 2012

No presente ano de 2011 decorrem 500 anos sobre a data (Julho de 1511) do envio por Afonso de Albuquerque da primeira missão diplomática portuguesa ao reino do Sião. Um aniversário que se comemora em Portugal e na Tailândia com um conjunto de iniciativas de carácter cultural que pretendem marcar uma duração e continuidade únicas no quadro das relações de Portugal com os estados da Ásia.

Liz Taylor nua.

2011-11-28T16:25:00.004Z

Naquele tempo não havia photoshop e nem lipoaspiração. A mulher era perfeita assim mesmo.

Esta foto é única e também acaba de ser mostrada ao público pela primeira vez. Trata-se da única foto conhecida da estrela Elizabeth Taylor, então com 24 anos, posando nua. O dono é um colecionador privado... Esta foto foi um presente de noivado de Liz ao produtor Michael Tood, então seu terceiro marido. Ela foi feita por um de seus amigos mais íntimos, o ator e fotógrafo Roddy McDowall, que a convenceu a posar nua, quando ele a pediu em casamento, uma relação de curta duração, encerrada tragicamente , 13 meses depois do casamento, quando o avião particular de Tood sofreu um acidente durante uma tempestade sobre o Novo México.

Ler noticia aqui.

Maria Pia de Sabóia

2011-11-28T13:56:00.003Z

Por ocasião do Centenário da Morte da Rainha Maria Pia (1848-1911), o Palácio Nacional da Ajuda e a Câmara Municipal de Cascais editam o livro Maria Pia de Sabóia, Rainha de Portugal. Fotobiografia, de Maria do Carmo Rebello de Andrade. O lançamento terá lugar no Palácio da Ajuda, dia 29 de Novembro, pelas 20h00, data de encerramento do ciclo de conferências "A Rainha Dona Maria Pia e o seu Tempo".

"Senhor Bobone, Sua Magestade a Rainha, minha Augusta Ama , me encarrega de lhe dizer que deseja mais duas duzias de retratos, uma duzia vestida de preto e outra duzia de manto real, mas recomenda a mesma Augusta Senhora que o cabelo deve ficar mais claro e não amassado, e em geral o tom da photographia mais claro." Carta do Duque de Loulé, Mordomo-mor da Rainha, a Augusto Bobone, fotógrafo da Casa Real.

Lançamento e apresentação do livro "Aparições – A fotografia de Gérard Castello-Lopes"

2011-11-24T22:43:00.002Z

Lançamento do livro / catálogo, concebido e realizado por Jorge Calado em homenagem a Gérard Castello-Lopes, apresentado por António Barreto no BES Arte & Finança.

Apresentação de António Barreto.

Aparições, de Gérard Castello-Lopes, por Jorge Calado

BES ART e Fundação Calouste Gulbenkian
Lisboa, 22 Novembro de 2011

Saudações.

Jorge Calado.
Emílio Rui Vilar e Ricardo Salgado,
Danièle Castello-Lopes e filhos

Gostava também de poder dizer “Gérard”,

É um dia grande para a fotografia. Depois desta belíssima exposição, temos agora o livro que a completa e lhe vai sobreviver anos. As fotografias de um dos nossos maiores, algumas delas inéditas apesar de terem mais de 50 anos, arrumadas, expostas e comentadas por um dos nossos grandes, Jorge Calado, constituem um luxo de que não nos deveremos esquecer. Estamos a viver um momento raro na história da nossa fotografia, podem crer.

Poderia repetir o que escrevi no dia da morte de Gérard Castello-Lopes: “É seguramente o mais interessante fotógrafo português do século XX. Um dos mais, pelo menos”. Só que, ao reler, me dei conta de um erro. Ou de uma redução injusta e involuntária. Qual o significado do termo português? Se estamos apenas a falar de uma nacionalidade, de uma terra de origem familiar ou de um poiso, ainda se aceita. Mesmo se Gérard, a seguir esses critérios à letra, não era realmente, ou não era apenas um português... Mas enfim, digamos que era um dos nossos. O problema é o da acepção exacta do termo “fotógrafo português”. Esse foi o meu erro.

Apesar de sinais de identidade evidentes em algumas das suas fotografias (as pedras da calçada, certas igrejas, a roupa a secar, as fachadas decadentes dos edifícios...), sinais detectados sobretudo por portugueses, pois claro, nada me fará dizer que Gérard é um fotógrafo representativo do que poderá ser a “fotografia portuguesa”, conceito aliás discutível, eventualmente horrendo. A boa fotografia, a melhor fotografia é sempre universal! Gérard fotografou, também, Portugal. Gérard fotografou, como poucos, Lisboa, a Lisboa de O’Neil e alguns restos da Lisboa de Pessoa. Mas também fotografou o mundo, Paris e França, em particular. Situa-se no plano dos maiores, sobretudo europeus, do seu tempo. Descoberto e redescoberto tardiamente, podemos colocá-lo ao lado dos grandes fotógrafos deste continente, em particular dos seus contemporâneos dos anos cinquenta e sessenta. Com esta ressalva, não me importo de dizer que Gérard Castello-Lopes é seguramente um dos mais importantes fotógrafos portugueses.

Esta apreciação leva-me logo a um ponto essencial que gostaria de sublinhar hoje. Por várias razões, de que Jorge Calado dá cabalmente conta na sua apresentação, Gérard foi pouco visto e conhecido no seu tempo. Só a partir dos anos oitenta, em primeiro lugar pela mão de António Sena e da sua galeria Ether (“Vale tudo menos tirar olhos”), começou a ser notado. Depois disso, Gérard ocupou um lugar que era o seu pelo mérito e pela sua excepcional qualidade e sensibilidade. Mas Castello-Lopes era um homem especial, era um amador, era tímido, não seguia escolas nem capelas, tinha uma distância aristocrática ao mundo da comunicação... Além disso, era reservado, com estranhos sentimentos diante da sua própria obra. Cuidadoso e meticuloso, não queria deixar que esta seguisse vida autónoma. Hoje, sabemos que deixou dezenas de milhares de negativos, muitos inéditos, num acervo que talvez nunca tenha sido estudado como deve ser. Pelo que Jorge Calado nos diz, esta exposição e este livro estão limitados no âmbito: apenas estão presentes as imagens que existiam em casa dele e da Danièle, em impressão positiva, prontas a mostrar. A conclusão é simples e salta aos olhos: há muito a fazer, a estudar e inventariar, a catalogar e documentar, a imprimir, a publicar e expor. Além de que, com impressões actuais de diversa escala e dimensão, como ele próprio veio a descobrir e intuir, podemos ter ainda mais novidades. Felizes os países que se podem orgulhar de ter, ainda por investigar, um acervo destes, com o valor e o interesse que lhe podemos atribuir. Gostava de acrescentar também: felizes os países que têm interessados, instituições, tempo, gosto e recursos para tal empreendimento!

É muito tentador dizer que Gérard Castello-Lopes não era homem deste século. Deste, do XXº. Que tem algo do Renascimento. Ou das Luzes. Pela cultura, pela erudição e pela sucessão de actividades. Foi economista, gestor, diplomata, escritor, ensaísta, crítico, cineasta, jazzman, desportista, mergulhador e... fotógrafo. É como fotógrafo que será recordado. Tudo o que fez foi com o espírito do amador, o rigor do cientista e a dedicação do profissional. É verdade que o podemos colocar facilmente naqueles séculos em que as ciências, as artes e as humanidades se frequentavam e estabeleciam uma boa vizinhança. É verdade, mas é fácil. Pensando duas vezes, olhando para esta exposição que Jorge Calado organizou com esmero e significado e folheando minuciosamente este maravilhoso livro, a conclusão é outra: Gérard Castello-Lopes não tem século. Nunca ficou preso ao seu tempo. Mas ficou fiel às suas imagens. Nesta exposição e neste livro, a aguda ironia do seu curador colocou, lado a lado, fotografias que distam de dezenas de anos entre si, mas sobre as quais se poderá dizer que o seu autor fez a mesma fotografia vezes e vezes sem conta ao longo dos tempos. Vejam-se as pessoas fotografadas de costas, a roupa a secar, os espelhos de água, o abatimento dos idosos, o estranho olhar sério de crianças e adolescentes... Apesar das rupturas e mau grado as suas várias vidas, há um fio condutor, há um olhar que se mantém.

Este olhar que se mantém, esta maneira de ver tão sua, não dispensa influências e parecenças. Passeiam-se nestas páginas Cartier-Bresson, sobretudo, mas também Doisneau, Alvarez Bravo, Brassaï, Eugene Smith e Kertész. Aqui e ali, um ar de Walker Evans ou de Weston. E as que poderemos chamar as suas “fotografias francesas” dos anos 50 e que poderiam ter sido feitas por alguns dos acima referidos. Todos passam por aqui, Gérard passou por todos. Como os grandes pintores e fotógrafos, para não dizer os artistas em geral, soube compor, tirar ideias e receber inspirações. Mas soube também fazer a sua síntese e o seu género, apurar a sua linguagem e traçar o seu caminho. Nunca pertenceu aos seus mestres, aos que o ensinaram, nem aos que o inspiraram: cresceu e morreu livre. Como quase sempre, a liberdade é também solidão. Nunca quis deixar-se fechar em escola ou estética. Bem podia, na sua fase dita humanista dos anos cinquenta e sessenta, deixar-se navegar pelas ondas neo-realistas que traziam conforto e alguma companhia. Podia limitar-se a seguir o mestre Cartier-Bresson. Não fez uma coisa nem outra. Navegou pelas margens. Preferiu a liberdade. Gostava de tocar várias músicas. Repito-me: ainda há muito para ver e estudar e talvez mostrar e publicar... Não é possível dizer hoje que sabemos tudo de Gérard Castello-Lopes.

Ao contrário do nosso Curador, creio que Gérard teve várias vidas de fotógrafo. Talvez um só Gérard, mas várias vidas. Mesmo se traços e fios as ligam. Aliás, o próprio Jorge Calado, no seu texto, reconhece que houve pelo menos um renascimento. Esta exposição, tal como foi magistralmente organizada, tem programa. Ou antes, tem uma ideia forte: mostrar a continuidade e a coerência. Mas deixa-nos a incerteza do que está para além do que se vê. Percebo a cortês delicadeza do Jorge, que apenas quis mostrar as provas que Gérard, lui même, aprovara em seu tempo. E aquelas que ele deixou impressas e prontas. Mas a obra fica para além da morte. E o seu tempo virá... Insisto em que Gérard teve várias vidas de fotógrafo. Com estas “Aparições”, inicia-se mais uma. E não a última.

Conhecemo-nos tardiamente. Ele, já com sessenta. Eu, não muito longe. Já ele tinha recomeçado a fotografar e mostrado algumas provas. As primeiras imagens que eu tinha visto formavam um magnífico portfolio alentejano no livro do José Cutileiro “A Portuguese Rural Society”, publicado em Oxford, no princípio dos anos setenta. Vi depois a exposição da Éther, que me deslumbrara e tinha, a seguir, visto o seu primeiro livro a sério, “Perto da vista”. Encontrámo-nos por causa de uma breve recensão que eu escrevera para o Diário de Notícias. Um dia, no meio da rua, um carro parou desabridamente e dele se extraiu um longo senhor que nunca mais acabava de sair. Era o Gérard. Entre a rua e o passeio, apresentou-se. Depois disso, conhecemo-nos um pouco melhor. Sem intimidade, conversámos o bastante para eu ficar com admiração e respeito. Em casas de amigos, falávamos de tudo. No Grémio Literário, a fotografia ocupava-nos. Foi ali que, um dia, depois de uma dura discussão sobre a questão moral na fotografia, lhe disse: “Ó Gérard, você é um grand timide!”. Levantou-se, abriu ligeiramente os braços e retorquiu, com o sorriso de quem é apanhado: “Mais bien sûr”!

Nesta altura, eu ainda não tinha decidido para mim se Gérard era um poseur ou um tímido. Ele teorizava sobre a sua dificuldade em fotografar pessoas. Eu hesitava em aceitar os seus argumentos ou encontrar neles uma espécie de justificação luxuosa para uma relativa abstenção e um grande distanciamento. A evidência da sua timidez revelou-se então. Várias outras pessoas terão chegado à mesma conclusão. A timidez era uma maneira de sentir as dificuldades do acto de fotografar. É verdade que existe uma questão moral. Uma questão de moral. Fotografar alguém é sempre um problema. Fotografar um desconhecido é um enorme problema. Maior problema ainda é a utilização dessas imagens. Vários termos nos ocorrem a este propósito. Intrusão... Violação de privacidade... Atentado à intimidade... Uso indevido da identidade de outrem... Num tempo em que a chamada sociedade de informação ou de comunicação empurra as fronteiras morais para limites inaceitáveis, é sempre bom recordar os velhos princípios. E senti-los, coisa que Gérard me pareceu fazer com sinceridade.

O pior é o momento em que se faz a fotografia. Gesto, aliás, que, em várias línguas, se chama “disparar”. Não é pouco, nem é pacífico. E também se diz, pelo menos em português, “tirar o retrato”. Sublinho o “tirar”... Hoje, far-se-ão muitas dezenas ou centenas de milhões de fotografias por dia. Até já os telefones tiram fotografias, nesta que é uma aliança entre dois velhos rivais, a palavra e a imagem. Parece o gesto mais banal do mundo. Parece, mas não é. A questão moral está sempre lá. Com que direito eu fixo imagens de outros, momentos vividos por outras pessoas e identidades alheias? Com que legitimidade posso eu utilizar a vida de outro? Ainda hoje estou convencido de que foi esta questão moral que reforçou a sua timidez.

Quando ele me tentou explicar as razões e o modo da sua “segunda vida”, o principal argumento utilizado para se redefinir foi o da “intrusão” ou mesmo o da “agressão”. Foi a esse propósito que ele cunhou uma frase inesquecível: aproximar-se de alguém com uma câmara fotográfica é como usar luvas de boxe para conversar! Por isso, os objectos, a luz, as formas, as composições gráficas e os elementos de paisagem apareciam, agora, com muito mais frequência do que as pessoas em planos aproximados dos primeiros anos. É uma timidez cruzada de delicadeza. Chama-se a isso fazer cerimónia. Gérard fazia.

Talvez seja esta consciência moral que faz com que, nestas fotografias, o drama esteja ausente. Como ausentes estão também o sofrimento, a violência e a tragédia. E até a pobreza inevitável dos anos sessenta portugueses nos aparece debaixo de uma relativa doçura. Gérard não era fotógrafo cortesão, nem queria vender optimismo. Mas evitava a dor nas fotografias. O que só se explica por razões morais. É esse um dos traços mais interessantes da sua obra. Renunciou ou simplesmente não recorreu aos elementos mais procurados pela fotografia, a começar pelo jornalismo e pela reportagem. Na verdade, o sofrimento, a violência, a dor, a pobreza e a guerra são fotogénicos! Infelizmente. Custa a dizer. Mas é verdade. Há uma estética do sofrimento vorazmente cultivada por muitos profissionais, por editores e por órgãos de informação. A ponto de, pelo hábito, ficarmos indiferentes ao sofrimento e de esquecermos, pela forma, o conteúdo. Quem se incomoda hoje com os ventres inchados das crianças africanas a morrer de fome e doença? Ou com os restos de corpos depois de explosão de uma mina? Ou com os efeitos iconográficos da tortura, da violação, da droga, do crime, da miséria e da doença? À força de ver, ficamos indiferentes.

Gérard não foi atraído pelo sofrimento dos outros. Pela sua moral e porque nunca foi um fotógrafo engagé. Ou empenhado. Ou comprometido. Apesar do seu tempo, próprio a esse género. Mau grado não ter gostado do que viu, em França ou em Portugal, com a guerra, a devastação e as ditaduras. Não advogou causas com a sua fotografia, a não ser a da condição humana na sua forma mais poética. Fez melhor do que fotografia de combate ou fotografia com programa. Por isso as suas imagens duram mais do que as efémeras com intenção. Interessava-se pelo quotidiano e promovia o banal e o incidental a raridade.

Gérard foi um génio da encenação. Da encenação intuitiva. Da encenação natural, isto é, da colocação, em imagem, do que o mundo lhe dava, mas aproveitando sempre a ideia de encenação, de ligação especial entre os figurantes, de relação significativa entre estes e o meio ou a paisagem. As suas personagens na paisagem são pequenas obras de arte. Poderiam ter sido imaginadas previamente. Poderiam ter sido manipuladas ou combinadas, de tal modo elas nos parecem rigorosas e minuciosas. Mas creio que Gérard nunca o fez. Ele soube captar, não construiu ou não procedeu a montagem.

A discussão sobre a escala (a dimensão absoluta e relativa das suas imagens) foi a sua última e principal contribuição para a teoria da fotografia. Tive a sorte de assistir, no Porto, à sua catedrática conferência sobre o tema. Ali relembrou a novidade da grande dimensão de fotografias que nos habituámos a ver em pequeno formato. A diferença de escala pode ser a metamorfose do sentido. Aludiu à mudança de género e de natureza que se opera quando uma fotografia que se manuseia, que se vê com as mãos, se transforma num fresco que se observa e admira. Referiu-se à enorme humanidade de um olhar num rosto grande como uma parede. Ali percebi que todas as escalas são boas, não há leis nem dogmas. Todas as escalas são boas, desde que adequadas à imagem, ao local, à manifestação, às circunstâncias! A mesma fotografia pode ter várias vidas e vários sentidos conforme as circunstâncias.

Em certo sentido, esta reflexão leva-nos à questão da liberdade de criação. E da imaginação. O Gérard foi uma das duas pessoas que me ajudou a olhar para a fotografia com mais liberdade e menos fanatismo. Formatar as dimensões? Alterar o enquadramento? Imprimir de várias maneiras? Manipular a impressão? Recentrar? Recorrer ao digital? Eis pecados que, desde que com honestidade, deixaram de o ser. Em parte, graças a ele, quando me disse que as impressões ulteriores eram geralmente muito mais interessantes do que os famosos vintages. Comecei a perceber então que o dogma é coisa de fanáticos. Caminhei do mais estrito conservadorismo para uma atrevida liberdade... Mas não deixo de encontrar, nesses mesmos vintages, um encanto e uma curiosidade que constituem, em si, um valor.

Nesta exposição e neste livro, Jorge Calado escolheu, em maioria, vintages no formato em que Gérard os deixou. Foi uma opção assumida, tem as suas razões de ser. Porque é póstuma. Porque é a maior que jamais se fez. Porque tem muitas imagens inéditas. Porque o esforço de investigação de tudo o resto está ainda por fazer, mesmo se, ao que parece, Danièle já terá feito um apurado trabalho de ordenamento. E até porque já tivemos várias oportunidades de ver algumas destas imagens em tiragens contemporâneas e nunca tínhamos visto os vintages. O importante é considerar que todas podem ser autênticas, provas de época ou contemporâneas, vintages ou tiragens ulteriores. Podem ter valores de mercado diferentes, mas isso não altera o valor intrínseco, nem a qualidade, muito menos a autenticidade.

Já que falo do trabalho de Jorge Calado. Este é um dos homens que mais admiro em Portugal. Pela sua cultura e pela sua erudição. Pelo seu contributo para a nossa felicidade. E pela sua simpatia pessoal. Este ano foi, para ele, de monumental esforço. Para nós, de encanto espiritual. Antes deste livro, tivemos o “Haja Luz – Uma História da Química Através de Tudo”, maravilhosa enciclopédia intelectual, artística e científica. Agora, um dos mais belos livros de fotografia jamais publicados. Garanto-vos que é obra, publicar os dois no mesmo ano! Obrigado Jorge!

António Barreto, Lisboa 22 de Novembro de 2011
(texto proferido durante o lançamento do livro / catálogo)

António Barreto.

Intervenção de Ricardo Salgado, em representação do Banco Espirito Santo.

Intervenção de Rui Vilar, em representação da Fundação Calouste Gulbenkian.

Intervenção de Jorge Calado.

Intervenção de Danièle Castello-Lopes.

Jorge Calado e António Barreto

Bloco de notas de Gérard Castello-Lopes.

Louis Jacques Mandé Daguerre 1787-1851

2011-11-18T08:16:00.001Z

Normas Portuguesas e Normas ISO

2011-11-10T21:56:00.001Z

SESSÃO DE DIVULGAÇÃO SOBRE NORMALIZAÇÃO EM FOTOGRAFIA E ARTES VISUAIS

PROGRAMA

Normalização em Fotografia: Porquê e Para Quê?

Estado de Arte das Normas ISO sobre Fotografia

Normalização em Portugal : IPQ, IPF e Comissão CT174

Apresentação de Normas Portuguesas NP ISO já publicadas

Projectos futuros de Normalização em Fotografia.

PALESTRANTES: Equipa coordenada pelo Presidente da Comissão Técnica CT174, Dr. António Manuel Morais, com o apoio do QREN/POF/SIAC.

PÚBLICO ALVO: Técnicos dos Municípios afectos à Actividade Cultural e ao Arquivo, PME´s, Fotógrafos Profissionais e Amadores, Associações culturais, bem como Professores e outros Agentes do Ensino de Artes Visuais.

17 de Novembro
LOCAL: Instalações do Centro Português de Fotografia (Sala do Tribunal, 2º piso)

HORÁRIO: 14h30-16h00 e 16h30-18h00 (3 horas)

As fotografias de Frida Kahlo no Museu da Cidade

2011-11-05T19:02:00.004Z

Guillermo Kahlo, 1892. Foto: Nicolás Winther

Guillermo Kahlo, autoretrato

Guillermo Kahlo

Guillermo Kahlo na sua biblioteca

Guillermo Kahlo, 1907, autoretrato

Catedral, Cidade do Mexico, 1922. Foto: Guillermo Kahlo

O Ballet de Zapata

Diego Rivera no seu estudio, 1940

Tina Modotti e Edward Weston, 1924

Tina Modotti fotografada por Edward Weston, 1924

Instrumentos de carpintaria, 1929. Foto: Frida Kahlo

Radiografia de Frida Kahlo, 1954

Fotografias de Paulo Furtado.

2011-11-05T00:18:00.000Z

Dia 5 de Novembro a partir das 18h00, lançamento de mais uma edição inc., desta vez uma imagem a cargo de Paulo Furtado aka The Legendary Tigerman, que nos apresentará o seu projecto “Gone”.

Gone, Praga, 27/08/2011, Paulo Furtado, edição de 25, impressão jacto de tinta em papel fine art, 30x40cm, 2011

“[Gone] é uma série de fotografias de quartos de hotel, pela manhã, antes de partir para outra cidade, para outra viagem, para outro concerto. O quarto de hotel é o único refúgio de um músico em Tour, em constante mutação.” – Paulo Furtado

Inc. livros e edições de autor
Rua da Boa Nova, 168
4050-101 Porto

Orlando Ribeiro (1911-1997)

2011-10-22T08:44:00.000Z

Entre margens" - O Douro em imagens.

2011-07-08T20:27:00.002Z

Céu Guarda, Inês d’Orey, Luísa Ferreira e Pauliana Velente Pimentel são as fotógrafas responsáveis pela união das margens do Douro.

A partir de quinta-feira, a avenida dos Aliados e a Praça dos Leões, no Porto, recebem a exposição "Um Douro no Feminino", com 9 das melhores fotografias de cada uma das 4 profissionais.

A exposição está integrada no projecto "Entre Margens", previsto para 3 anos, em que estão previstas cerca de 60 exposições no espaço público, complementadas por cerca de 100 espectáculos e 12 colóquios. As exposições terão lugar nos centros urbanos e históricos de seis cidades da Região do Douro: Lamego, Mirandela, Peso da Régua, Porto, Santa Marta de Penaguião e Vila Real.

In jornal "i"

"Um Douro no feminino"

TERRITÓRIOS DO PRAZER, Luísa Ferreira

"O Douro é uma monumental obra humana construída para o prazer.Construída pelo Homem maravilhado.De S. Leonardo de Galafura, Miguel Torga avistou o Cima Corgo e rendeu-se pela poesia.Desde os esculturais socalcos às iguarias gastronómicas, do mundialmente afamado vinho generoso às hospitaleiras casas de lavoura, é eminentemente um território dos sentidos.Este trabalho desenvolveu-se entre margens numa radial ao Peso da Régua."

FERREIRINHA, Pauliana Valente Pimentel

"Vinicultora do Douro e mulher de ferro, a D. Antónia (Ferreirinha) celebra este ano 200 anos. Este trabalho é uma homenagem a todas as mulheres que estão ligadas à vinha no Douro. Um retrato actual no feminino de pessoas que sempre viveram da vinha, trabalhadoras rurais, enólogas e proprietárias das quintas. Mulheres que fazem do vinho do Douro uma obra de arte. Foram fotografadas 22 mulheres o seu contexto vivencial em Peso da Régua, Canelas, Galafura, Cambres (Lamego), S. Eufémia, Aldeias (Armamar), Folgosa, Vale Mendiz, Pinhão, Sabrosa, Covas do Douro e Vila Real."

NA VIDA REAL, Céu Guarda

“Nós não somos daqui, ao fim de semana vamos para casa…Dividimos uma casa e temos 2 coelhos…Jogamos às carta , vamos ao Bowling cantar… ao Karaoke…Não é mau estudar aqui…Não sei onde vou arranjar trabalho…Vou ficar…Vou voltar…Estamos um bocado isolados…Estudar aqui é mais barato…O ar é bom.”

DOURO INDUSTRIAL, Inês D'Orey

"O Douro, visto por dentro, é mais que socalcos, vinhas, pedra e rio. Para lá das paisagens naturais estonteantes, existe um Douro onde os produtos que nascem da sua terra são transformados e devolvidos às suas gentes.Esta é uma viagem pelos espaços interiores das indústrias alimentares e vinícolas da região do Douro. Espreitam-se os fornos onde são fumadas as alheiras de Mirandela. Em Lamego, registam-se a linha de montagem dos queijos e os armazéns onde maturam os presuntos. No Peso da Régua e em Santa Marta de Penaguião, fotografam-se os depósitos antigos e modernos das quintas vinhateiras, onde o seu vinho pacientemente envelhece. Em Sabrosa, observa-se a arquitectura contemporânea dos armazéns de vinho.Esta é uma viagem pelo Douro Industrial."

Fotografia de Rita Almendra.

Fotografia de Ana Costa.

Fotografia de Vera Lúcia.

Fotografia de Miguel Schreck

Fotografia de Marcos Oliveira.

Fotografia de Armindo Dias.

Morreu Luísa Costa Dias, alma e motor do Arquivo Fotográfico de Lisboa

2011-06-20T10:21:00.003Z

Luísa Costa Dias foi a “alma”, a principal impulsionadora de tudo o que se realizou no Arquivo Fotográfico Municipal de Lisboa. Comissariou dezenas de exposições e esteve na origem das bienais Lisboa Photo (2003, 2005). Morreu ontem no Hospital Pulido Valente. Tinha 55 anos e sofria de cancro no pulmão.

Os que a conheciam e que com ela trabalharam apontam-lhe uma “personalidade discreta”, alguém que “preferia trabalhar nos bastidores”, mas reconhecem-lhe “um papel fundamental” tanto na organização de exposições e edição de livros de fotografia como na angariação de novos espólios fotográficos que, desde 1994, não pararam de entrar no Arquivo. “Aquilo que o Arquivo foi, a dinâmica que conseguiu, deve-se ao trabalho e dedicação da Luísa. Foi, sem dúvida, a alma desta casa”, disse ao PÚBLICO Luís Pavão, fotógrafo e conservador da colecção do Arquivo Fotográfico Municipal de Lisboa.

O comissário Sérgio Mah (que foi o nome escolhido por Luísa Costa Dias para dirigir as duas edições do Lisboa Photo) também sublinha o trato “discreto e elegante” e lembra a “dedicação e proximidade” com que gostava de trabalhar nos projectos em que se envolvia. “Fazia as coisas acontecerem mesmo quando enfrentava enormes dificuldades”, lembra Mah.

Luísa Costa Dias comissariou muitas das exposições que passaram pelo Arquivo, das quais se destacam, nos últimos anos, Lisboa à Beira Tejo (2010), Alfredo Cunha Fotografias (2010), Da Avenida D. Amélia à Avenida Almirante Reis (2011). Foi ainda uma das principais mentoras da LisboaPhoto, Bienal de Fotografia, com duas edições (2003 e 2005), festivais nos quais comissariou as exposições Colecção Ferreira da Cunha (2003) e Corpo diferenciado (2005), esta última sobre o acervo fotográfico do Instituto de Medicina Legal de Lisboa. Nos últimos tempos, trabalhava na exposição Avenida de Roma Fotografias 1950-2011. Como comissária independente, destaca-se a exposição Oui Non sobre a obra de Gérard Castello-Lopes, no Centro Cultural de Belém, em 2004. Como comissária, Luísa Costa Dias tinha preferência “pela fotografia dita de autor, mais directa e documental”, lembra Pavão.

”Fotografias íntimas e transparentes”

“A Luísa deixou de olhar por si para olhar pelos outros”, diz o fotógrafo José Manuel Rodrigues aludindo ao seu trabalho como fotógrafa que é pouco conhecido. “As fotografias da Luísa são íntimas e transparentes como ela gostava de ser”. Rodrigues destaca a “serenidade, a competência e a honestidade” de Luísa Costa Dias que era das poucas pessoas que visitava o seu atelier com regularidade para saber novidades do seu trabalho. “Chegava e dizia: ‘Mostra lá o que andas a fazer’. Queria ver tudo - provas, negativos, contactos. Encorajava-nos a fazer coisas.” Além disso, “tinha uma grande paciência com os fotógrafos”.

A investigadora Emília Tavares sublinha o mérito de Luísa Costa Dias na recolha e descoberta de novos espólios para a fotografia portuguesa. “Desde sempre, esse grande trabalho deve-se à Luísa. Trabalhava na sombra, mas grande parte do acervo do Arquivo é fruto do seu empenho”, disse ao PÚBLICO. Tavares lembra “um trabalho fundamental para o conhecimento e para a construção de uma memória histórica e crítica da fotografia portuguesa”. Numa nota enviada ao PÚBLICO, a investigadora, amiga de Luísa Costa Dias, recorda a directora do Arquivo como alguém com “uma sensibilidade muito especial para reconhecer a qualidade da obra fotográfica e o talento das pessoas que ao longo dos anos trouxe a colaborar consigo”.

Paula Figueiredo, fotógrafa, investigadora e ex-responsável do serviço educativo do Arquivo, reconhece também que Luísa Costa Dias era “a alma” daquela que foi uma das mais activas instituições ligadas à fotografia em Portugal nos últimos anos. “Era muito exigente em relação a tudo o que fazia.”

O corpo de Luísa Costa Dias estará em câmara ardente esta segunda-feira a partir das 12h00 na igreja de S. Sebastião da Pedreira, em Lisboa. O funeral realiza-se na terça-feira e sai às 10h30 para o cemitério de S. João do Estoril.

In jornal "Público" de 19.06.2011, por Sérgio B. Gomes

"a minha casa é onde estás", exposição de fotografia de Filipe Casaca.

2011-06-06T22:50:00.000Z

PRESS RELEASE

A Galeria Pente 10 - Fotografia Contemporânea inaugura no dia 7 de Junho, terça-feira, às 19h00, a exposição “a minha casa é onde estás”, de Filipe Casaca. A exposição consiste em 15 provas únicas, a preto e branco, impressas pelo fotógrafo. Será lançado o livro “a minha casa é onde estás”, edição do autor.

“a minha casa é onde estás reúne um conjunto fotografias de Filipe Casaca feitas ao longo de um período de 3 anos e que reflectem sobre o tema da intimidade. É um largo retrato de uma ambiência doméstica, de uma vivência íntima de um espaço partilhado entre duas pessoas. Não é um tema fácil ou recorrente e a comprová-lo temos raras presenças temáticas que atravessam as obras de outros fotógrafos. Aparecem sempre fotografias isoladas, ao longo do tempo, mas raramente organizadas num corpo desta natureza. O conjunto apresentado traz-nos imagens poderosas, onde espaço e protagonistas nos surgem como matéria esculpida do negro para a luz.” (Francisco Feio)

Filipe Casaca nasceu em Lisboa, em 1983. Frequentou a Faculdade de Belas Artes em Artes Plásticas-Escultura e o Instituto Português de Fotografia. Em 2008 expôs na galeria P4 a série “Telegrama”. No mesmo ano desenvolveu “Habitats” em parceria com um doente e artista do Hospital Júlio de Matos, que integrou uma exposição colectiva no Pavilhão 28. Em 2009 foi seleccionado para os Encontros de Imagem de Braga. A série “a minha casa é onde estás” foi exposta na K-Galeria em 2010 e é agora publicada e lançada em livro na galleria Pente 10.

Está representado em várias colecções públicas e privadas, nomeadamente na BES ART – Colecção Banco Espírito Santo.

GALERIA PENTE 10

Travessa da Fábrica dos Pentes, 10 (ao Jardim das Amoreiras)

1250-106 Lisboa

INAUGURAÇÃO: 7 de Junho, terça-feira, às 19h00

Patente ao público de 7 de Junho a 31 Julho de 2011

Exposição "Fronteiras" - Encontros de Fotografia de Bamako.

2011-05-20T20:18:00.004Z

Fronteiras: o que separa não vem só no mapa

Uma exposição na Gulbenkian mostra 180 fotografias e vídeos de fotógrafos e artistas africanos (com uma afro-americana à mistura). É a África contemporânea das migrações, das fronteiras herdadas da colonização, das viagens impossíveis e dos vistos improváveis.

Duas gerações para uma fotografia. Duas mulheres que facilmente imaginamos mãe e filha posam para a objectiva de Arwa Abouon, deixando que o tecido estampado da sua roupa se confunda com o papel de parede, tornando impossível distinguir, de imediato, o contorno dos seus corpos. A fronteira que as separa é a do tempo ou, se olharmos para o lado e as confrontarmos com o pai e o filho que o outro díptico deste líbio retrata, a do género.

Na exposição que abriu na Fundação Gulbenkian, em Lisboa, as "Fronteiras" não estão só nos mapas - estão também na cabeça, na legislação que restringe os direitos das mulheres, nas guerras que separam etnias e famílias, nas tradições que fazem de um albino um mau presságio.

"Tudo nesta fotografia parece certo", diz António Pinto Ribeiro, comissário de "Fronteiras", exposição que integra até 28 de Agosto o programa Próximo Futuro e que foi criada pela Bienal Africana de Fotografia de Bamako. "A composição, o tema do diálogo entre duas gerações de mulheres que vivem num país em que muitas vezes é duro ser mulher, a tensão que se adivinha antes e depois da fotografia."

Tensão é uma palavra crucial nesta exposição produzida no Mali que junta 180 fotografias e vídeos de mais de 50 artistas de 23 países africanos (mais uma afro-americana, Ayana Jackson), do Egipto à África do Sul, passando pelo Chade, o Sudão, a Costa do Marfim e o Burkina Faso. Imagens impressionantes de crianças que vivem debaixo de uma ponte na Nigéria ao lado de outras que registam o "glamour" das festas de Nairobi. Em comum os rostos, as pessoas. "A fotografia contemporânea africana é habitada, não está cheia de 'não-lugares' como a que vemos habitualmente nas galerias americanas e europeias", acrescenta Pinto Ribeiro, responsável pela montagem da exposição em Lisboa.

Michket Krifa, uma das comissárias dos Encontros de Bamako, não gosta de falar em "fotografia africana" porque teme que leve a generalizações erróneas, uma vez que o panorama varia muitíssimo de país para país, sendo os pólos clássicos de maior desenvolvimento da fotografia a África do Sul, Moçambique, a Nigéria, o Mali e o Egipto, e os emergentes a República Democrática do Congo, a Etiópia, a Tunísia, a Algéria e Marrocos. "Quisemos mostrar a diversidade de abordagens - documentais, jornalísticas, plásticas - à fronteira", explica ao Ípsilon via "email". "Mas hoje as temáticas são tratadas em África como em qualquer outro lugar devido à mundialização e às problemáticas sociais, ambientais e políticas."

Federica Angelucci, curadora de fotografia numa importante galeria da Cidade do Cabo, também prefere evitar criar um rótulo para definir a fotografia que se faz no continente. Diz que "a noção de africanidade é extremamente fluída e demasiado ilusória", mas reconhece que, na maioria das vezes, os africanos que se dedicam à fotografia estão muito interessados na condição humana, embora façam experiências com a abstracção e outras formas.

Angelucci, que estará em Lisboa para uma série de "workshops" e debates do Próximo Futuro (programa em www.gulbenkian.pt), viu "Fronteiras" em Bamako em 2009 e na Cidade do Cabo em 2010 e garante que a força da exposição está na abordagem conceptual ao tema e numa produção que rejeita clichés sem deixar de dar espaço à tradição (como os retratos de estúdio), mostrando ao mesmo tempo novas maneiras de olhar o mundo. "Os fotógrafos estão conscientes dos conflitos armados, das guerras étnicas, dos milhões de refugiados... É natural que o imaginário produzido seja permeável a tudo isto."

Para dar exemplos, esta especialista em fotografia contemporânea faz questão de falar do sudanês Ali Mohamed Osman e do nigeriano Uche Opkpa-Iroha - o da ponte que serve de casa a dezenas de crianças -, que lidam com os fluxos de circulação e a exclusão, a partir do território de comunidades marginais.

No trabalho destes fotógrafos e de muitos outros que expõe na sua galeria ou sobre os quais escreve, "as fronteiras entre uma abordagem documental, supostamente neutra, e a prática artística são muito difusas".

Um mapa escondido

Bouchra Khalili nasceu em 1975, em Casablanca, mas hoje, depois de um calvário burocrático, tem também nacionalidade francesa. É uma das 11 mulheres com obras expostas em "Fronteiras". Quando recebeu o "email" do Ípsilon estava a trabalhar em Beirute, no Líbano, e foi a partir daí, a pensar nas exposições que faz em Inglaterra e nos Estados Unidos ou na próxima Bienal de Veneza, que falou da internacionalização, do projecto "Mapping Journey", da condição de mulher, africana e muçulmana, dos vídeos que lhe permitem denunciar a clandestinidade humilhante a que são obrigados milhares de migrantes. A obra de Khalili também vive nesta fronteira entre o documental e o artístico, mas a única coisa que parece interessar-lhe é o seu capital de denúncia e de mobilização.

Em "Mapping Journey" - "work in progress" que começou em 2008 e já a levou a Marselha, Ramallah, Bari, Roma e Barcelona -, a artista marroquina trabalha os fluxos migratórios a partir de histórias pessoais que aproximam os seus protagonistas de quem os ouve no contexto de um museu ou de uma galeria. Esta semana é impossível fazê-lo sem pensar nas 61 pessoas que terão morrido de fome e de sede numa embarcação que partiu de Trípoli com destino à ilha italiana de Lampedusa e que durante duas semanas vagueou pelo Mediterrâneo, com o conhecimento da NATO e das autoridades de Itália e de Malta.

As migrações clandestinas, realidade que para Khalili marca o dia-a-dia do sul do Mediterrâneo, da África e do Médio Oriente, são o fio condutor de "Mapping Journey", "um corpo de trabalhos que revela um mapa escondido, construído à volta de rotas ilegais".

Ao contrário de Angelucci e de Krifa, a jovem artista acredita que grande parte do que faz está enraizado no lugar - e no contexto - em que nasceu. "Quando se vem de onde eu venho - nasci em Marrocos, que ora está em África, ora está no mundo árabe - é difícil escapar às questões políticas. Um artista deste lado do mundo não pode fugir a esta complexidade."

Fronteiras intransponíveis

Kole Omotoso, escritor e crítico nigeriano de 68 anos que dá hoje uma das grandes lições do Próximo Futuro ("The Endangering Ambiguity of the Wabenzi Tribe: Next Futures Africa", às 14h30), diz que as migrações são apenas um dos muitos problemas do continente - é preciso não esquecer "o desperdício de matérias-primas, a fuga de cérebros, a falta de uma verdadeira educação, todo o tipo de discriminação, crimes contra as crianças do sexo feminino, a imbecilidade política, o constante mendigar de ajuda externa" - e que as fronteiras herdadas dos colonizadores e da conferência de Berlim de 1884-85 são hoje praticamente intransponíveis, separando famílias e grupos étnicos. "Vejam-se as fronteiras entre a Nigéria e a República do Benim que dividem os povos yoruba", exemplifica Omotoso, garantindo que, no entanto, a maior dificuldade que decorre das fronteiras africanas é o facto de tornarem as viagens no continente, a comunicação e a socialização "virtualmente impossíveis ou a preços proibitivos".

"Hoje as fronteiras criminalizam até a mais natural das actividades - levar alguns inhames e milho a familiares que vivem ali mesmo ao lado", diz, falando de outra fronteira imaterial, a da energia. "O fornecimento de electricidade na Nigéria é epiléptico. Em mais de 40 anos, nenhum governo - militar ou civil - conseguiu resolver o problema. Entretanto, toda a gente tem de comprar dois ou três geradores e as fábricas funcionam a 25 por cento da sua capacidade. Isto é uma loucura." Basta pensar que uns podem comprar geradores e outros não para traçarmos mais uma linha divisória.

Se há uma coisa em que todos concordam, é que para um artista africano é mais fácil viajar para a Europa e para os EUA do que para muitos países do continente. Ainda assim, poucos são os que se internacionalizam, apesar de o número ter vindo a aumentar, graças aos festivais e bienais de fotografia que vão surgindo, como os de Lagos e de Addis-Abeba.

"Muitos destes fotógrafos só expõem nos centros culturais estrangeiros dos seus países", diz Pinto Ribeiro, mas outros já entraram no circuito internacional, como Zac Ové e as suas fotografias dos rituais de Trindade e Tobago, Mohamed Bourouissa e a periferia de Paris, Lilia Benzid e o cemitério tunisino de Zaafrane em que as pedras tumulares parecem vestidas.
A questão da circulação é muito sensível, sublinha a curadora Federica Angelucci, porque "a prática dos fotógrafos contemporâneos é cada vez menos definida por um conjunto de atributos visuais, e cada vez mais pelos contextos de circulação do seu trabalho".

Depois de passar por Lagos, por Barcelona e pela Cidade do Cabo, "Fronteiras" mostra em Lisboa a memória que as guerras em África deixaram nos edifícios transformados em ruínas, os auto-retratos incómodos de Robert Mafuta, a ironia mordaz do camaronês Barthélémy Toguo, que denuncia os líderes africanos e a sua exploração irresponsável dos recursos naturais.

Depois de percorrer a exposição, ainda queremos saber mais sobre aquele pastor que desenhava sombras e passou a fotografá-las (Saïdou Dicko, Burkina Faso), sobre "Miss Divine" e a homossexualidade na África do Sul (Zanele Muholi), sobre o rapaz de Ramallah que tem de percorrer, clandestino, os 14 quilómetros que o separam da namorada que vive em Jersualém Leste, cartão postal da ocupação dos territórios palestinianos que Bouchra Khalili testemunhou.

Jornalista Lucinda Canelas, in jornal "Público" de 11 de maio de 2011.

Fotografia: Saïdou Dicko (Burkina Faso), Le voleur d’ombres, 2005-2009

Galerias de Exposições Temporárias da Sede da Fundação Gulbenkian.

Patente ao público até dia 28 de Agosto de 2011.

Exposição de Renato Roque, no CPF.

2011-05-20T19:45:00.000Z

"HOLLYWOOD e outros cenários"

Inauguração dia 27 de Maio, às 21h30.

Leilão Soler y Llach.

2011-05-19T20:33:00.000Z

El departamento de fotografía de Soler y Llach Subastas Internacionales realizará el próximo 26 de mayo la subasta donde se pondrá a la venta el primer daguerrotipo escénico español, una rareza ya que tan sólo se han conservado 15 en todo el mundo. En la subasta también se pondrán a la venta más de 400 lotes de fotografía y fotolibros, con piezas que van desde los inicios de la fotografía hasta la actualidad con estimaciones desde 100 € a los 40000 €. La exposición de las fotografías de la subasta se podrá ver del 23 al 26 de mayo en Soler y Llach de Barcelona, así como en la página web http://www.soleryllach.com/

Los 444 lotes que componen la subasta van desde los inicios de la fotografía hasta la actualidad, destacando el conjunto de daguerrotipos firmados por fotógrafos españoles pertenecientes a una importante colección de fotografía española realizada en las década de 1960 y 1970 entre los que se encuentra la vista de Madrid, durante mucho tiempo fue el único daguerrotipo escénico español que se conocía, ha sido conservado durante 40 años en la colección de Miguel Nicolau, fue dado a conocer públicamente en la década de 1980. Este paisaje urbano es una de las imágenes más importantes de su periodo, se escapó de los convencionalismos de la producción de su tiempo, temáticamente y formalmente esta conectado con la modernidad. Entre los lotes de fotografías y fotolibros, se pueden encontrar un raro conjunto de 50 fotografías de una gran belleza formal que Charles Clifford realizó del Tesoro del Delfín en la década de 1860, un grupo de negativos de desnudos realizados por Antoni Espulgas a finales del siglo XIX, el único estudio fotográfico español de esta época del que se conoce producción en este género; o un conjunto de fotografías y dibujos de Granada realizados por el arquitecto real Juan Moya Idígora en la década de 1890. También se incluyen en la subasta obras como los fotomontajes de Gustav Klucis, las fotografías de Nueva York de Berenice Abbott, los retratos de Man Ray, o las fotos de la Guerra Civil española del Comisariat de Propaganda de la Generalitat de Catalunya, del Servicio Español de Información, de Robert Capa y de Agustí Centelles, una sección de fotografías de la revolución cubana realizadas por Korda, Salas, Corrales entre otros y algunos nombres propios como Giacomo Caneva, J. Laurent, Josep Alemany, Cecil Beaton, Emili Vilà, Antoni Arissa, Joan Colom, Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Francesc Català Roca, Diane Arbus, Valentin Vallhonrat, Andres Serrano o Joan Fontcuberta. En el apartado de fotolibros se encuentran entre otros, el manuscrito de fotografía realizado por el fotógrafo francés P. Denis entre c.1860-1870, F.T.Marinetti t Tato, Manifiesto de la fotografía futurista, 1930, Ugo Mulas, New York: escenario del arte nuevo, libros firmados por André Kertész y Henri Cartier-Bresson o la edición limitada de Sumo de Helmut Newton entre otros.

Contacto Juan Naranjo jnaranjo@soleryllach.com

Solicitud de catálogos en Soler y Llach Subastas Internacionales S.A.

Beethoven 13 08021 Barcelona

syl@soleryllach.com

Puede consultar el catálogo on line en http://www.soleryllach.com/

Se aceptan fotografías y fotolibros para la próxima subasta

Fotografia de Manuel Magalhães, no Museu do Oriente.

2011-04-27T21:43:00.001Z

A Oriente

Fotografia de Manuel Magalhães

O enamoramento pelo Oriente, fonte de todos os exotismos e a que a fotografia soube responder, faz parte do imaginário do mundo ocidental. Mas para os portugueses significa ainda esse pretérito construído com mitos e vagos reencontros que nem o encurtamento da distância clarificou.

Manuel Magalhães, arquitecto e fotógrafo natural do Porto, não é um viajante com uma câmara fotográfica. É também um arquitecto que sintetiza, geometricamente, o que o mundo lhe oferece com maior exuberância. Com imagens captadas entre 1993 e 2005 no Camboja, China, Tailândia, Índia, Japão e Macau, a sua fotografia tanto dá como recebe; não nos solicita apenas a memória do mundo imaginário das imagens e dos lugares, mas esse olhar complexo e contemporâneo onde a aprendizagem da fotografia se funde em torno de uma perspectiva singular.

Lounge, de 29 de Abril a 29 de Maio 2011

Museu do Oriente, Lisboa.

Outros Olhares - Adelino Lyon de Castro.

2011-04-14T21:18:00.001Z

Conversa com Emília Tavares, dia 17 de Abril às 12h30, no Museu do Chiado.

“Portugal ‘75”, de Elizabeth Lennard.

2011-04-07T06:45:00.000Z

A Galeria Pente 10 – Fotografia Contemporânea inaugura no dia 7 de Abril, quinta-feira, a exposição “Portugal ‘75”, de Elizabeth Lennard.

Boy on tank.

Vintage hand painted silver gelatin print, ed 1/3, 28 x 36 cm

“Em Agosto de 1975, a fotógrafa Elizabeth Lennard passou três semanas em Portugal a recolher impressões de um povo recentemente libertado:

Portugal estava totalmente impreparado para uma revolução. É um país perigosamente desorientado, economicamente deprimido e tecnologicamente e socialmente atrasado – especialmente nas zonas rurais. Nas aldeias a Igreja Católica continua a deter o poder. A maior parte dos camponeses viveu de uma certa forma durante centenas de anos e não é capaz de mudar. Um dia, numa pequena vila, vimos um grupo de mulheres ajoelhadas à porta de uma igreja. No centro da igreja havia uma estátua de um santo coberta de dinheiro. A Igreja é tão rica e no entanto esta gente faminta continua a dar o pouco que tem. Nas cidades as pessoas são mais sofisticadas mas a pobreza continua a ser extrema. Enquanto que as zonas rurais lembram a América dos anos 50, os centros urbanos evocam mais São Francisco em 1967. O ambiente é enérgico – como se as ruas tivessem sido injectadas de adrenalina. Cartazes coloridos e panfletos escondem uma economia em degradação e um desvanecer da elegância do Velho Mundo. Num café da moda local jovens fumam erva angolana, e um dos mais elegantes restaurantes de Lisboa foi “libertado” transformando-se num ponto de encontro informal e descontraído para trabalhadores e revolucionários. A pornografia é agora legal mas a censura política na imprensa continua. Na Praça do Rossio, a praça central de Lisboa onde as pessoas costumavam reunir-se para discutir futebol, debate-se agora política – por vezes até às duas ou três da madrugada. E todos os cartazes partidários e os graffitis que se encontram por toda a praça – e em todos os outros sítios –supostamente um barómetro da situação, rapidamente são cobertos pelos miúdos de rua com a retórica de uma facção oposta. Ninguém parece saber o que vai acontecer a seguir. É como estar preso no tempo; um povo atrasado e desorientado com um governo progressista e desorganizado. De acordo com um lisboeta, até os hábitos de condução foram afectados. As pessoas costumavam ser razoavelmente civilizadas e conscientes, mas agora conduzem como loucas”.

in revista Rolling Stone, Novembro 1975

Miners with their dogs, interior of Portugal, 1975

Vintage hand painted silver gelatin print, ed 1/5, 25 x 35 cm

Stairway, Lisbon, 1975

Digital pigment print on Hannemuhle paper, ed. 1/15, 29 x 42 cm

Biografia

Fotógrafa e realizadora americana, Elizabeth Lennard vive e trabalha em Paris. Participou em numerosas exposições individuais e colectivas, em França e no estrangeiro, nomeadamente no Centro Georges Pompidou, Art Cologne, Caixa Nacional dos Monumentos Históricos e dos Sítios em Paris. Entre os seus filmes importa referir Tokyo Melody – sobre Ruichi Sakamoto, Rencontro avec Gisèle Freund ou Mardis Gras d’après Blaise Cendrars.

A exposição consiste em 22 imagens a cores, obtidas em 1975.

Elizabeth Lennard Portugal ‘75

Galeria Pente 10 - Travessa da Fábrica dos Pentes, 10 (ao Jardim das Amoreiras)

1250-106 Lisboa

Tel. 91 885 15 79 /21 386 95 69

Contacto: Catarina Ferrer catarina@pente10.com http://www.pente10.com/

Inauguração quinta feira, 7 de Abril, às 19H00.

A exposição estará patente até 14 de Maio de 2011

Horário: 3ª a Sábado, 15H00 às 19H30

Metro: Rato

Exposição fotografia "Lisboa, da Avenida Dona Amélia à Almirante Reis.

2011-04-04T20:01:00.000Z

"A Prospectus Archive", exposição de Paulo Catrica no Museu da Electricidade.

2011-04-03T20:16:00.012Z

PRESS RELEASE

O guarda-roupa no silêncio do sótão, candelabros em repouso no armazém, veludos e talha dourada. A antiga sala das costureiras, o camarim do maestro, velhas oficinas e carpintarias. Entre 2005 e 2009 Paulo Catrica viajou pelo interior do Teatro Nacional de São Carlos, percorrendo espaços públicos e mergulhando na privacidade dos seus bastidores. TNSC - A Prospectus Archive é o resultado desse trabalho fotográfico, que permitiu documentar cenários, alguns dos quais deixaram entretanto de existir.

"Há um teatro por detrás do teatro". Um mundo secreto que é-nos revelado e no qual figuramos "como personagens de uma peça imaginária", descreve João Pinharanda, comissário da exposição.

TNSC - A Prospectus Archive, que está patente no Museu da Electricidade (Sala Cinzeiro 8) até ao dia 22 de Maio, surge no âmbito de uma parceria entre a Fundação EDP e o TNSC que, em 2005, encomendou a vários fotógrafos um levantamento das instalações daquele que permanece como o único teatro de ópera do país.

Dentro de...

Abordamos estas imagens como se nos fosse possível estar nos locais que elas descrevem. Há um sentido de percurso e penetração, por um lado, e um sentido de conhecimento e posse, por outro. O percurso é pelo interior de um corpo; o conhecimento é do espaço que esse corpo define, com tudo o que ele contém. Tal espaço é evidentemente físico; mas é, também, espaço simbólico, lugar de inscrição e construção de memórias várias. Sendo assim, estas fotografias não descrevem os lugares que registam, inventam-nos.

Paulo Catrica tomou as suas imagens numa fase de transição do TNSC - quando se anunciava uma iminente e pragmática remodelação das funcionalidades de certas zonas obsoletas de trabalho face à desejada imutabilidade cenográfica e preservação histórica dos espaços públicos. A urgência documental da tarefa conduziu então o artista para os bastidores do Teatro; e tornou numericamente secundário o seu interesse pelas zonas públicas de circulação, ou seja, corredores, camarotes e frisas, balcões, plateia, boca de cena e palco.

Mas a verdade é que, talvez, no trabalho visual de Catrica, esse interesse pelas zonas não-acessíveis supere qualquer programa documental prévio; e se sustente na própria vertigem do artista pelo que se situa fora de cena, pelo não-arquitectónico, pelo não-decorativo, pelo irregular e desarrumado. De facto, independentemente dos espaços que são privilegiados nestes registos, apenas tangencialmente ou a posteriori se adequa classificar estas fotos como "documentos". O autor fala, antes, de narrativas – e as suas fotos são, sem dúvida, narrativas: carregadas ou despidas de informações dos que habitam o espaço, dos que o ocupam e modelam, dos que nele deixam marcas de excesso ou depuração, de bom gosto ou kitsch, de tranquilidade ou tensão. Porém, a derradeira narrativa é a que estrutura o próprio trabalho apresentado. É ela que inventa para nós aquilo que deveremos ver. Imagem a imagem, arrasta as sombras e abre a luz sobre as maquinarias de cena, segmenta os lugares de espera e trabalho, desmultiplica os espaços e as coisas nos espelhos, espalha as ferramentas, instrumentos, papéis… pelas mesas, matiza a luz, escurece os cantos, confronta tempos contraditórios, contrabalança a crueza, agressivamente anónima, da repartição pública com memórias que acentuam os elementos de identificação poética do lugar... É certo que toda a memória é construída e que toda a construção é uma invenção. E se a sistematização das memórias implica o seu registo e classificação, assim se chega a um arquivo que é também, sempre, construção e invenção... discurso que só a fotografia (uma exposição e um livro de fotografia) permitiriam abrir a tantas ficções.

Há um teatro por detrás do teatro, um texto que se ouve por detrás do texto, um olhar diverso, em enquadramentos de proximidade, que vê para além do olhar público, que apenas se dirige ao palco. Estando estas imagens totalmente esvaziadas de figuras humanas, é tudo o resto, os restos dessa presença obsessiva, aquilo que compõe as narrativas que nos são oferecidas. E, no mundo secreto que assim possuímos e conhecemos, somos nós a presença real destas fotos. Personagens de uma peça imaginária que encena um mundo sem função, onde tudo é pouco óbvio, onde o espaço penetrado e percorrido quase não nos permite recuo, nem do campo de visão nem da experiência do tempo. É isto que garante, para todo aquele passado, um presente perpétuo; e, para todos aqueles espaços obstruídos, a clareza final de quem vê uma sala de talha dourada e veludos pesados onde o mundo inteiro parece poder resolver-se em representação e música.

João Pinharanda

Paulo Catrica, nasceu em 1965, Lisboa. Estudou fotografia no Ar.Co., licenciou-se em História na Universidade Lusíada e o Mestrado em Imagem e Comunicação no Goldsmiths College, em Londres. Frequenta actualmente, como bolseiro da Fundação da Ciência e Tecnologia, o programa de doutoramento em Estudos de Fotografia da Universidade de Westminster, em Londres.

Desde 1997 desenvolve um interesse particular pela fotografia de paisagem urbana, em particular por espaços periféricos e/ou suburbanos, persistindo no seu trabalho a ideia de associar arquitectura (objecto) com o contexto evolvente e o uso quotidiano.

Expõe e edita regularmente em Portugal e no estrangeiro desde 1998. Foi nomeado para o prémio BESPhoto (2005). Das exposições individuais recentes destacam-se No Ruses so to Speak na Galeria Quadrado Azul, Lisboa (2008) e H08 no Silo, Porto (2009). Concluiu recentemente projectos de encomenda para a Photographers Gallery, Londres (2009) e para a Casa das Histórias Paula Rego (2009). Desenvolveu um projecto comissariado por Greg Hilty, curatorial director da Lisson Gallery, para uma residência artística no arquipélago das Galápagos (2010).

MUSEU DA ELECTRICIDADE

Avenida Brasília - Central Tejo

Patente ao publico de 31 de Março a 22 de Maio de 2011.

Exposição de fotografia de Paulo Catrica, no Museu de Electricidade.

2011-03-28T21:08:00.000Z

De 31 de Março a 22 de Maio.

Central Tejo - Av. de Brasília.

"Douro Natural", fotografia de José Miguel Ferreira na estação de Metro da Baixa-Chiado

2011-03-24T23:26:00.000Z

"Douro Natural", fotografias de José Miguel Ferreira na estação de Metro da Baixa-Chiado.

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O projecto "Douro Natural" revela o território paisagístico que existe além das vinhas, menos conhecido, mas diverso e de impressionante beleza natural, que marca o carácter e identidade locais.
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"Arquitecturas da paisagem vinhateira", pretende exaltar esta paisagem Património Mundial e sublinhar a sua diversidade e mutações ao longo da história.
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A mostra resulta de um projecto de investigação e inventariação levado a cabo pelo Museu do Douro e pela comissária Natália Fauvrelle, coordenadora dos Serviços de Museologia, em que se apresenta um primeiro inventário que poderá dar origem a uma Carta da Paisagem..

"Entre a Amnésia e o Alheamento"

2011-03-18T22:41:00.000Z

Conversa aberta a propósito da exposição Correspondência # 3 (Ângela Ferreira + Manuel dos Santos Maia).

Com José António Fernandes Dias, Filipa Valladares, Maria do Mar Fazenda e os artistas.

Sábado, dia 19 Março às 16.30h na Arte Contempo

Rua dos Navegantes, 46-A 1200-732 Lisboa

A Arte Contempo tem vindo a albergar o ciclo de exposições CORRESPONDÊNCIA. Desenvolvendo-se a partir de encontros desencadeados entre pares de artistas, de gerações distintas, com fortes afinidades formais, de pesquisa, ou de intenções. Não há uma equação de exposição pré-definida: cada encontro, implementado por uma terceira figura (a curadoria), desenvolver-se-á sob a influência de várias tomadas de vista: de identificação, de aproximação, de confluência, de conflito, etc.

Uma exposição pode resultar em duas exposições individuais; uma exposição em que não se definem áreas autorais; uma exposição com obras criadas especificamente para o contexto; uma única obra concebida em conjunto; etc. Um projecto curatorial de Filipa Valladares e Maria do Mar Fazenda Correspondência # 3 (Ângela Ferreira + Manuel dos Santos Maia) “Uma das coisas que mais curiosidade me dá é que, o estado de vida criado pelo estado novo em Moçambique permitia que as pessoas vivessem lá numa espécie de amnésia daquilo que se estava a passar. Para mim isso é uma das questões que mais me aflige, como é que se gerava essa situação em que era permitido não saber? E a outra grande pergunta que me rói constantemente, como é que também nunca foi compreendido o processo de descolonização e como não foi criado um lobby inteligente de como gerir esse assunto, nem do ponto visto político, nem do ponto de vista da memória”. (Ângela Ferreira)

“A partir de certo momento começo a querer registar, de memória, as histórias de que me lembrava. E claro, nesta altura surge a questão da memória, é impossível ser completamente fiel, restituir tudo, acresce sempre de um ponto quem reconstrói determinada história. Interessa-me esta espécie de plasticidade”. (Manuel dos Santos Maia)

Ângela Ferreira nasceu em Maputo (Moçambique), em 1958. Vive e trabalha em Lisboa (Portugal) e na Cidade do Cabo (África do Sul) desde 1992. Expõe regularmente desde 1990. Das suas exposições individuais destacam-se: Ângela Ferreira, Centro de Arte Moderna – Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa (1990); Sites and Services, South African National Gallery, Cidade do Cabo (1992); Double Sided I and II, Chinati Foundation, Marfa, e Ibis Art Centre, Nieu Bethesda (1996); Casa Maputo: Um Retrato Íntimo, Museu de Serralves, Porto (1999); Em Sítio Algum, Museu Nacional de Arte Contemporânea – Museu do Chiado, Lisboa (2003), Maison Tropicale, representação portuguesa na La Biennale di Venezia, Veneza (2007); e Hard Rain Show, Museu Colecção Berardo, Lisboa e La Crieé, Rennes (2008).

Manuel dos Santos Maia nasceu em Nampula (Moçambique) em 1970. Vive e trabalha no Porto. Das suas exposições individuais destacam-se: alheava – dentro o mar, Salão Olímpico, Porto (2003); alheava – reconstrução, Centro de Artes Visuais, Coimbra (2004); alheava – reconstrução, Centro de Artes Visuais, Coimbra (2004); alheava _ reconstituição, Espaço Campanhã, Porto (2009); non _ Extremo do Mundo, Museu do Neo-Realismo, Vila Franca de Xira (2010).

D. Carlos I fotógrafo amador.

2011-03-05T08:26:00.000Z

Makulatur / Paulo Nozolino

2011-02-25T08:26:00.000Z

Doze fotografias em seis dípticos. A perda, a raiva e a mácula. É a mais pessoal exposição de Paulo Nozolino de sempre. Sóbria e contida, uma reflexão sobre a vida e a morte. “Makulatur” surge dois anos depois de “bone lonely” e será igualmente editada em livro pela alemã Steidl.

Inauguração 24 de Fevereiro 2011
Galeria Quadrado Azul, Largo dos Stephens,Lisboa.

"Makulatur", exposição de Paulo Nozolino.

2011-02-23T22:15:00.000Z

A perda, a raiva e a mácula.

PRESS RELEASE

Doze fotografias em seis dípticos. A perda, a raiva e a mácula. É a mais pessoal exposição de Paulo Nozolino de sempre. Sóbria e contida, uma reflexão sobre a vida e a morte.

Com inauguração a 24 de Fevereiro, na Galeria Quadrado Azul, Largo dos Stephens, nº4, em Lisboa, às 22h, “Makulatur” surge dois anos depois de “bone lonely” e será igualmente editada em livro pela alemã Steidl.

PAULO NOZOLINO, 55 anos, nasceu em Lisboa. Com base em Londres, entre 1975-78, estudou fotografia e começou uma longa série de viagens pela Europa, América e Ásia. Viveu em Paris durante a década de 90. Bolseiro da Villa Médicis em 1994-5, publica “PENUMBRA” (Scalo 1996), resultado de doze anos de viagens pelo mundo árabe, com exposição em Lisboa no CCB. Recebe o Grand Prix de la Photographie, Vevey, Suiça em 1995 para trabalhar no projecto “SOLO”, uma incursão solitária sobre o estado da Europa, de Auschwitz a Sarajevo, premiado com o Oskar Barnack Award, Arles 1998. Em 1999 trabalha com Robert Frank no filme “San Yu” em Paris e parte em seguida para Macau onde concebe “FIM”, que expõe na Culturgest, Lisboa, 2002. A Maison Européenne de la Photographie, Paris, dedica-lhe uma exposição em 2001 intitulada “NADA”. Em 2005, uma grande exposição antológica é feita pelo Museu de Arte Contemporânea de Serralves, no Porto e o livro “FAR CRY”, publicado pela Steidl recebe o Deutscher Fotobuchpreis, Stuttgart, no mesmo ano. Recebe o Prémio Nacional de Fotografia em 2006, pelo conjunto da sua obra. Em 2009 expõe “bone lonely” na Galeria Quadrado Azul em Lisboa e nos 40 Anos dos Rencontres d’Arles, em França. Vive e trabalha entre Lisboa e Paris.

Galeria Quadrado Azul
Largo dos Stephens, nº 4
Lisboa

Patente ao público de 24 de Fevereiro a 21 de Abril de 2011

Orlando Ribeiro, fotógrafo.

2011-02-19T03:41:00.000Z

ORLANDO RIBEIRO, 1911-1997

Essencialmente dedicado ao ensino e investigação em Geografia, Orlando Ribeiro é considerado o renovador desta ciência no Portugal do século XX, e o geógrafo português com mais ampla projecção a nível internacional. No entanto, a sua vasta obra, produzida a par da longa e intensa carreira como professor e investigador universitário, abarca muito mais do que avanços científicos na Geografia, e revela uma diversidade de interesses e intervenções que desenham uma invulgar geografia intelectual.

Ilha de S. Tomé. 1952. A Roça de Rio do Ouro.© CEG

Ilha de S. Tomé. 1952. Roça de Rio do Ouro. Mulheres no trabalho da «escolha» do cacau.© CEG

Ilha de S. Tomé. 1952.© CEG

Ilha do Príncipe. 1952Baía de Praia Caixão, com mangal.© CEG

Ilha do Príncipe. 1952. Fábrica de óleos numa roça.© CEG

Ilha do Fogo. 1951. Mosteiros.© CEG

Ilha do Fogo. 1951. Mosteiros.© CEG

Ilha do Fogo. 1952. Um «branco» e um mestiço jogando um jogo africano – banco de ourim.© CEG

Porto de Bissau. 1947. Carregamento de amendoim.© CEG

Bissau. 1947. Orlando Ribeiro com Talibé, o seu «informador» local.© CEG

Bafatá. Aldeia Balanta. 1947. Bembal de barro onde se guarda a provisão anual de arroz de família.© CEG

Oudame. 1947. Casas dos Papel.© CEG

Bissau. 1947. Tabancas Brames com o seu cercado de pau alto.© CEG

Zambeze. 1961. Palhota quadrada, de andar.© CEG

Um mercado. 1947. Vendendo mandioca.© CEG

Nova Caipemba. 1960. Casas e celeiros© CEG

Inhambane. Manbone. 1961. «Miolo» de palhota redonda.© CEG

Baixa do Cassange. 1960. Dançarinos© CEG

Nova Sofala. 1961. Tronco de embondeiro meio envolvido por um ficus.© CEG

Uma família de portugueses no Colonato da Cela (1960)© CEG

Catofe. 1960. Colonato açoreano© CEG

Mulheres do Sudoeste de Angola (1961)© CEG

Goa. Sanguém. Um gouli com as três mulheres e a numerosa prole (1955)© CEG

Goa. Galgibaga. Embarque de louça de barro para levar ao mercado em piroga com balanceiro lateral (1955)© CEG

Goa. A praia de pesca de Siridão (1956)© CEG

Damão. Crianças mouras (1956)© CEG

Fortaleza e Damão Pequeno (1956)© CEG

Damão. Traje antigo de cristã (1956)© CEG

Damão. Barco de machins. O costado é alteado com bambús, para enfrentar o mar (1956)© CEG

Diu. Machins de Damão© CEG

Diu. Palmeiras garli que bordejam o litoral e se disseminam um pouco pelo interior© CEG

Diu. Brancavará. Vendedeiras de Suró – vinho fabricado com seiva da palmeita cajuri (1956)© CEG

Diu. Movimento nas ruas comerciais da cidade© CEG

Portugal, o Mediterrâneo e o Atlântico, Coimbra, 1945

Surpreendente!

2011-02-19T02:16:00.000Z

"nós" de Luísa Ferreira

2011-02-17T22:05:00.001Z

A Galeria Pente 10 – Fotografia Contemporânea inaugurou no dia 15 de Fevereiro, terça-feira, a exposição "nós" de Luísa Ferreira. A exposição consiste em 33 fotografias a cores, realizadas entre 2006 e 2009 e um filme, “coluna vertebral”, sobre um vale encantado. Sobre a série de fotografias “nós”, intervenção na paisagem, Luísa Ferreira afirma “O Homem deixa marcas por onde passa. Essas marcas podem ser passageiras, agressivas, ternas, enquadradas ou disléxicas. A Natureza tudo acolhe, respondendo com um reflexo na composição das imagens. O Homem deseja tudo abarcar com o seu olhar: paisagens, acções e o próprio olhar. Mas o Homem tudo esquece, não fossem essas próprias imagens”.

Luísa Ferreira nasceu em Lisboa, Portugal, em 1961. Iniciou-se em Geografia, trocou o curso pela fotografia. Começou a fotografar profissionalmente nos anos 80 e interrompeu a actividade diária de fotojornalista em 1998, após trabalhar sete anos no jornal Público e dois anos para a agência de notícias norte-americana Associated Press. Expõe individualmente desde 1989, desenvolvendo projectos pessoais e trabalhos de encomenda, nomeadamente “Os objectos já não têm cores/ mas as sombras dos objectos têm as cores deles/ um amigo meu/ que tem a chave das docas/ também pensa assim” (Picabia) no Armazém AB ao Jardim do Tabaco, Porto de Lisboa, em 1993; em 1994 iniciou a série “Há quanto tempo trabalha aqui?”, fotografias de médio formato sobre as lojas antigas de Lisboa e as pessoas que as habitam, exposto no Arquivo Fotográfico Municipal de Lisboa em 2005 e que recentemente integrou “ResPublica 1910 e 2010 face a face” na Fundação Calouste Gulbenkian; “Capitão Goma”, fotografias dentro de almofadas insufláveis sobre o mundo das crianças, na Casa dʼOs Dias da Água em 2003; “Fora de jogo”, 40000 postais de campos de futebol sem relva, bancadas ou iluminação, enviados durante o Euro 2004, no âmbito do Arte em Campo do Instituto das Artes. Expôs nos Encontros de Imagem de Braga em 1994, 1995 e 1996 e nos Encontros de Fotografia de Coimbra em 1994. Participou em exposições colectivas em Portugal e no estrangeiro. O seu trabalho integrou a exposição “Au Féminin”, (uma História de mulheres fotógrafas desde 1850) com curadoria de Jorge Calado, no Centre Culturel Calouste Gulbenkian, Paris, 2009. Publicou, entre outros, o livro Azul (2002) sobre os não-lugares, com texto de Agustina Bessa-Luís. Luísa Ferreira está representada em várias colecções de arte portuguesas e estrangeiras, nomeadamente AR.CO (Espanha), Câmara Municipal de Castelo Branco, Câmara Municipal da Figueira da Foz, Casa Fernando Pessoa, Centro Português de Fotografia, Encontros de Imagem de Braga, Festival de lʼImage du Mans (França), Fundação PLMJ, Instituto Português do Livro e das Bibliotecas, Núcleo de Arte Contemporânea do CENTA, ICEP, Recorridos Fotográficos de ARCO (Madrid) e em várias colecções particulares.

GALERIA PENTE 10
Travessa da Fábrica dos Pentes, 10 (ao Jardim das Amoreiras)
1250-106 LISBOA
15 FEV - 02 ABR 2011

Colecção Fotográfica da Sociedade Harmonia Eborense.

2011-02-17T21:59:00.002Z

Museu de Évora.

Exposição patente de 6 de Janeiro a 9 de Março de 2011.

"nós" de Luísa Ferreira

2011-02-15T18:42:00.001Z

A Galeria Pente 10 – Fotografia Contemporânea inaugura no dia 15 de Fevereiro, terça-feira, a exposição. A exposição consiste em 33 fotografias a cores, realizadas entre 2006 e 2009 e um filme, “coluna vertebral”, sobre um vale encantado. Sobre a série de fotografias “nós”, intervenção na paisagem, Luísa Ferreira afirma “O Homem deixa marcas por onde passa. Essas marcas podem ser passageiras, agressivas, ternas, enquadradas ou disléxicas. A Natureza tudo acolhe, respondendo com um reflexo na composição das imagens. O Homem deseja tudo abarcar com o seu olhar: paisagens, acções e o próprio olhar. Mas o Homem tudo esquece, não fossem essas próprias imagens”.

GALERIA PENTE 10
Travessa da Fábrica dos Pentes, 10 (ao Jardim das Amoreiras)
1250-106 LISBOA
15 FEV - 02 ABR 2011
INAUGURAÇÃO: 15 de Fevereiro de 2011 às 19:00

Gérard Castello-Lopes (1925- 12 de Fevereiro de 2011)

2011-02-12T17:46:00.005Z

“Um olhar Português”

Ao contrário de Fernando Pessoa, Gérard Castello-Lopes não tem heterónimos, tem vidas. Várias e sucessivas. Falo do fotógrafo, que é o que nos traz aqui, não do homem, cuja unidade parece maior e não cabe em meia dúzia de páginas. Para mal dos nossos pecados, e dos dele, espero, não nos deu tantos anos de fotografia quantos os que leva de vida adulta, como deveria ser. Começou a fotografar, em 1956, com mais de trinta anos, idade difícil para uma arte que exige candura na aprendizagem. Fotografou durante uma década, talvez menos. Depois, parou. Perdera a ousadia. Não se sentiu mais capaz de, afirmar, agredir as pessoas na rua, fotografar quem não o deseja. Tanto mais quanto considera que, naturalmente, ninguém quer ser fotografado. Em todo o caso, ninguém o quer ser de surpresa, por um estranho. Durante vinte anos, pôs de lado as Leicas. Percebe-se hoje, pelo que diz e como fotografa, que o sofrimento não o abandonou. Com, todavia, um lenitivo: estudou, pensou e amadureceu. Em meados dos anos oitenta, regressou. Para nosso bem. [...] A liberdade de Castello-Lopes foi também a sua prisão. Pelo menos viveu-a como tal. Nos anos cinquenta em Portugal não se podia ser inocente. Nem a liberdade interior, refugio de tantos criadores, era possível. Ainda por cima, para alguém que queria viver com a imagem. A liberdade, nas décadas do realismo e do empenhamento político ou moral, era inseparável da solidariedade. Para ambas, o outro e os outros estavam no centro do mundo. Mas, nem todos, aliás. Não era a condição do homem que estava no centro do mundo. Mas o homem e sua condição. Quer dizer, o oprimido, o pobre, o trabalhador e o resistente. A “família do Homeme” parecia, e talvez fosse em certa medida, uma armadilha ideológica dos poderosos.Se havia artes, letras e formas de expressão para as quais o empenhamento e o real eram difíceis ou discutíveis (a musica, a dança...), para outras, eram imediatos e necessários. Para a fotografia, era a sua essência. Naqueles tempos, o mito do real dominava. Nem tempos de certezas. A principal era real. Este bastava para denunciar as injustiças.Por imperativo moral, por espírito do tempo e talvez porque lhe faltasse o talento da pintura, Gérard Castello-Lopes fez o seu programa de empenhado e realista. Estudou Cartier-Bresson e Eugene Smith, fez deles os seus mestres. Compreende-se agora que a eles nunca se limitou e que há, na sua fotografia, uma tensão libertadora, uma pulsão para transgredir as normas e as regras. Foi a sua primeira vida. Desempenhou-se durante aqueles poucos anos, magistralmente.

(Gérard Castello-Lopes por António Barreto, in revista Indy de 23 de Outubro de 1998, Jornal Independente)

Reflectografia de infravermelhos e radiografia da pintura de Columbano.

2010-12-15T00:34:00.009Z

Publicações sobre a reflectografia de infravermelho e a análise multi-espectral aplicadas ao estudo de obras de arte

Columbano. Retrato do actor João Rosa,

Columbano. Retrato de Rafael Bordalo Pinheiro, 1891. Museu Rafael Bordalo Pinheiro, Lisboa.

Columbano. Cristo crucificado, 1901 - 1926. MNAC Museu do Chiado.

Museu Nacional de Arte Contemporânea - Museu do Chiado

António Barreto no Cartaz das Artes

2010-12-11T20:02:00.000Z

António Barreto: Fotografias, 1967-2010

2010-12-06T21:29:00.002Z

No programa Ler + Ler melhor na RTPN.

Entrevista a António Barreto no programa "A força das coisas", Antena 2.

2010-12-06T21:20:00.000Z

Clicar na imagem para ouvir entrevista a António Barreto.

Feira do Livro - Fotografia.

2010-12-01T22:26:00.003Z

O livro de fotografia é um objecto importante associado ao meio fotográfico desde o seu inicio, tanto como meio de divulgação como de impressão.

Dado o crescente interesse do público pelos foto-livros e o reconhecimento do seu valor no mercado internacional (em paralelo com o mercado da fotografia), achámos que seria importante reunir em Lisboa de forma regular, um conjunto de fotógrafos, editores, livrarias, alfarrabistas e galerias com edições que dessem a conhecer tanto os clássicos, como algumas das novidades que existem nesta área.

Queremos desta forma divulgar as edições fotográficas, abrindo o interesse do público para este mercado e criando uma plataforma para o diálogo sobre este meio específico dentro da fotografia, cruzando-o com áreas como o design, as artes plásticas, o jornalismo, o cinema ou a edição em geral.

Esta feira tem a sua primeira edição de 10 a 12 de Dezembro de 2010 na Fabrica do Braço de Prata em Lisboa e apresentará os editores abaixo designados com edições relacionadas com fotografia (fotográficas e teóricas) que vão desde preços simbólicos até edições limitadas e de autor com valores significativos no mercado nacional e internacional.

Esta será uma oportunidade para os interessados em fotografia, livros, edições, revistas e objectos (que ficam entre a imagem e o livro) poderem (re)descobrir e adquirir alguns exemplares raros e outros muito recentes. Alguns dos editores estarão com descontos de 20%.
Em paralelo haverá 2 conferências durante o fim-de-semana que iniciarão o debate da relação do meio fotográfico com a impressão em livro e na imprensa (papel e digital).

A feira decorre na Sala Wittgenstein (2º Piso da Fábrica do Braço de Prata) onde continua patente a exposição de fotografia “Não fiques assim tão longe” do colectivo Os Suspeitos.

Editores/livrarias:

- A Estante
- Alexandria Livros
- Arquivo Municipal de Lisboa – Arquivo Fotográfico
- Chromma
- Fundació Foto Colectania
- Gustavo Gili
- Inc. Livros e edições de autor
- Kamera Photo
- Pente 10
- Pierre Von Kleist
- Vera Cortes – Agencia de arte / TIJUANA Lisboa
- Livraria Braço de Prata (Assirio e Alvim, Relógio d’Agua e Cotovia)

Talks:

Sábado 17.30h
Fotógrafos que também são editores
[Jose Pedro Cortes, Andre Cepeda, Patricia Almeida, Carlos Lobo]
Domingo 17.30h

Para acabar de vez com o fotojornalismo?
[Fotógrafos da Kameraphoto: Céu Guarda (editora de fotografia do Jornal i) e Martim Ramos]

Datas:
10 a 12 de Dezembro 2010

Horário:
Sexta-feira 18H00 às 24H00
Sábado e Domingo das 16H00 às 23H00

Entrada livre até às 21.30h

Local:
Fábrica Braço de Prata
Rua da Fábrica de Material de Guerra, n.º1
2º Piso - Sala Wittgenstein
feira.livro.fotografia@gmail.com

Transportes:
Autocarro (linhas 28, 210 718 e 755)
Comboio (estação braço de prata)

Organização:
Os Suspeitos, Filipa Valladares e Exposições Fábrica do Braço de Prata

Livro "António Barreto: fotografias 1967 - 2010"

2010-11-07T19:19:00.002Z

Cópia gráfica da capa do livro.
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Também no olhar dos homens está a sua circunstância. E se há homens que tornam as águas turvas para que elas pareçam mais profundas, no olhar de António Barreto, que as fotografias deste livro desvendam, existe uma surpreendente transparência. Ou a angulosa luminosidade das coisas simples. No seu olhar, está uma biografia, porque, neste livro, há muitos anos de fotografia. E muitas circunstâncias de quem fotografou.

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Hay-on-Wye, Grã-Bretanha, 1993.
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Ler a fotografia de António Barreto vai ser possível na Galeria Corrente d’Arte a partir de 11 de Novembro e até 30 de Dezembro de 2010. Na inauguração da exposição será lançado o livro de António Barreto em coautoria com Ângela Camila Castelo–Branco, “António Barreto: Fotografias, 1967 – 2010”, editado pela Relógio d’Água Editores.

Na fotografia que ilustra a capa deste livro estão dois homens a conversar, em baixo está a cidade de Montreux que os separa das águas do Lago Léman e das montanhas de Haute Savoie. Isto é, resumidamente, o que a fotografia nos mostra. Provavelmente, o fotógrafo viu mais. Na fotografia não podemos adivinhar que ele se encontrava numa estrada num plano superior e que estava acompanhado por um grupo de amigos, como verifiquei nos negativos que se seguiam. Isto vai permitir-me uma leitura diferente. O sítio permite divagar. A dois passos dali, fica o Château de Chillon, local de detenção de François Bonivard, herói da liberdade cantado por Lord Byron, que glorificou Sintra e detestou os portugueses. Com a fotografia, as associações são surpreendentes e inevitáveis. Tanto o conhecimento prévio que faz parte da cultura individual, como o conhecimento adquirido a posteriori em resultado do acesso que tive aos negativos do fotógrafo, vão influenciar a leitura das suas imagens.

Montreux, Suiça, 1970.
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O fotógrafo deslocou-se a França, num Inverno particularmente rigoroso, no ano de 1970. Foi então que fotografou Champigny. Para quem desconheça, Champigny era o maior bairro de lata da Europa, onde viviam os portugueses imigrados (os “bidonvilles” como lhes chamavam os franceses e que Gérald Bloncourt denunciou em muitas reportagens fotográficas). Era a “Gente do Salto” e “Os anos da lama” tão concretos nos documentários realizados por José Vieira. Bairros construídos com bocados de folhas de lata dos bidões do gasóleo e madeiras velhas das cofragens das obras. As casas, sem esgotos, água e electricidade, eram aquecidas a carvão cuja combustão enganava as noites prolongadas e frias. Na fotografia aqui reproduzida estão duas pessoas de costas, debaixo de um guarda-chuva negro, parecem passear-se no melhor dos mundos. Naquelas condições tão adversas, o fotógrafo surpreendeu o paradoxo. É a característica polissémica da fotografia que nos possibilita esta interpretação idílica ao depararmo-nos com um dos mais marcantes ícones da dureza da imigração portuguesa em França. Português, antigo comunista (de cuja ideologia se afastara a partir de 1968), refugiado/emigrante e já formado em Sociologia, ter-lhe-á seguramente tocado, muito para além da reportagem fotográfica, a situação dos seus conterrâneos.

Champigny, França, 1970.

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Nas fotografias feitas na Argélia, em 1973, descobrimos-lhe o olhar distante, para não ser confrontado ou apenas não interferir no cenário, na narrativa, naquilo que quer fotografar. O olhar camuflado, entre olhares que se cruzam partindo de um lado e do outro, oposto na fotografia, em direcção à rapariga que se encontra encostada ao paredão na Baía de Argel. O olhar picado que observa os argelinos sentados a jogar dominó e que não se apercebem da sua presença, Argel, 1973. António Barreto quer mostrar-nos as situações, mas quer estar o menos possível nas fotografias. Como se pretendesse que aquilo que sente não interfira com a realidade captada pela objectiva. Como se quisesse ver o que os outros estão a ver e como se almejasse o cúmulo dos grandes narradores de imagens: a presença ausente.

Joëlle Kuntz, Argel, Argélia, 1973.

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Não se fica indiferente a correntes e tendências que o tenham influenciado. Alguns dos movimentos estéticos que terão contribuído para a singularidade do olhar do fotógrafo, que sempre se distanciou da fotografia feita à maneira salonista por muitos fotógrafos portugueses, foram a Straight Photography, o Realismo e a Street Photography. O exílio na Suíça foi, assim, uma janela para o conhecimento, o acesso a jornais, revistas e publicações como a Life, que apostavam na fotografia como principal fonte de informação. Foi o passaporte para o fim do obscurantismo vivido na ditadura do Estado Novo e o saborear da liberdade que lhe possibilitaram outras experiências, numa democracia europeia.

Berlim, RDA (República Democrática Alemã), 1967.

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António Barreto praticamente não faz fotografias em contraluz, preferindo explorar a incidência da luz oblíqua, que acentua a perspectiva e cria ambientes sombrios; a luz que molda os objectos e lhes realça a textura; os recortes desenhados pelas sombras; a atmosfera romântica dos interiores onde a claridade irrompe através de portas e janelas e sugere ambientes que reportam para a pintura setecentista, como no interior de uma igreja em Oxford, 1992.

Oxford, Inglaterra, 1991.

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A fotografia de António Barreto (a maioria, pelo, menos) não é documental, porque aquela que diz respeito ao Douro vinhateiro apresenta-se como um núcleo especial que se destaca do resto do seu trabalho. Sei por que isso acontece, mas não vou tentar explicá-lo. Vou antes transcrever, ou melhor vou “enxertar” aqui uma parte de um texto que António Barreto escreveu em Um Retrato do Douro, em 1984:

“Galgaram os montes, quebraram a rocha, fizeram terra, levantaram muros; plantaram videiras, seleccionaram castas. Sofreram o oídio, a filoxera, o míldio e a maromba, recomeçaram tudo várias vezes. Mandaram vir cepas americanas, enxertaram variedades durienses e rústicas, encontraram ou importaram remédio, o sulfato, o enxofre ou o bórax. Trataram as videiras como trataram os filhos, as adegas como as suas casas. Podaram, enxertaram, cavaram, escavaram, redraram, e nunca um desses trabalhos foi simples ou fácil. Encosta acima, é sempre um calvário. Vindimaram a cantar, para esquecer o cansaço e os calores de quarenta graus. Levaram as uvas às costas, em cestos de quatro ou cinco arrobas, em sítios tais aonde não vão carros de bois, onde se desce para o precipício e se sobe para o inferno. À noite, pisaram uvas, cortaram lagaradas, horas a fio, num dos mais violentos trabalhos de toda a agricultura, que os álbuns de turismo ou os citadinos filhos de proprietários acham pitoresco, mas que só se aguenta porque é preciso viver, porque uma posta de bacalhau cru e um caneco de aguardente aquecem o corpo e porque as mulheres, em frente aos lagares, aquecem as almas. Transportaram tudo, à cabeça e às costas, almudes de água-pé, canecos de água, vasilhas de aguardente; pedras e terra; esteios de ardósia, rolos de arame, cepas, cestos de uvas. Carregaram caros de bois, desceram os montes, entraram no rio, carregaram barcos rabelos, desceram o rio, descarregaram os barcos, carregaram os vapores, subiram o rio, levaram os rebelos à «sirga», à corda, rio acima, no que deveriam ser as galeras do Douro”.
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Este longo trecho da sua autoria explica bem, julgo, a razão pela qual, este núcleo fotográfico de António Barreto centrado na Região demarcada do Douro, reúne os requisitos para ser qualificado como fotografia documental. No livro, poucas fotografias do Douro foram seleccionadas, por entender merecerem ser vistas num conjunto mais alargado.

Douro, 1990.
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Admirador de Henry Cartier-Bresson, algumas das suas fotografias lembram claramente os trabalhos do Mestre (ou do “Génio”, como o trata num artigo de homenagem). Tal acontece com a fotografia “Jogo de Cartas na Foz do Douro” (Foz do Douro, 1990.) que, pelo enquadramento e sequência de planos, associei imediatamente à fotografia de Bresson, “Sur les bords de la Marne”, datada de 1936.

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Sur les bords de la Marne, 1936. Fotografia de Henry Cartier-Bresson.
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Porto, 1997.

Também importante na fotografia é a dimensão em que nos é apresentada. Recordemos que algumas das fotografias impressas neste livro vão ser expostas noutras dimensões e provavelmente ganharão novos sentidos ao serem ampliadas. Outras ficaram a ganhar na dimensão que foram impressas no livro. Espaço, tamanho e conteúdo são condicionantes essenciais para a leitura de qualquer registo fotográfico.
O fotógrafo pode inclusive explorar as possibilidades criativas ao jogar com a proporção e com a escala, como aconteceu com a fotografia das pirâmides de Gize, Egipto, 2006. António Barreto pretendeu alterar a escala de grandeza física dos objectos registados na imagem e conseguiu alterar as proporções da pirâmide de Quefrén, com cerca de 160 metros de altura, quando comparada com a esfinge de Sesheps, com 20 metros de altura e com uma pequena pedra do templo de Sesheps pouco mais de um metro acima do solo, invertendo a grandeza da proporção dos mesmos. Inteligente e curioso jogo, sobretudo se se atender à intencionalidade do fotógrafo.
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Pirâmide e Esfinge, Gizé, Egipto, 2006.
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Nas suas fotografias está o homem que não se intimida com a desproporção da sua dimensão perante a imensidão da Natureza, como no Glaciar de Chamonix, França, 1970.
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Chamonix, França, 1972.

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Um fotógrafo pode chegar ao fim da vida apenas com uma ou outra fotografia conseguida entre milhares de negativos. A explicação do sucesso dessas imagens estará mais nos olhos de quem as lê. No conjunto seleccionado para este livro, algumas despertaram-me maior atenção. “Os meninos na ilha de pedra”: parece uma jangada arrastada pela força da corrente do Rio Douro, 1990. “A passadeira mole”, cuja desconstrução leva a lugar nenhum: o plano picado mostra-nos uma mulher com uma criança pela mão que atravessa em passo acelerado uma réstia de geometria segura que resulta da convivência entre a ordem e o caos, Paris, 1979. “O passageiro solitário” no cais da estação de comboio de Crossharbour: a solidão que sugere a imagem é apenas aparente, pois nada do que está nela é possível sem a existência do colectivo. A cidade não está inabitada, os escritórios não estão vazios e de que nos serviria uma linha de transportes fantasma, sem comboios nem passageiros? Gare de Crossharbour, 1990. Talvez esta seja a fotografia mais marcante da dicotomia entre homem e meio, verdade e aparência, imaginação e realidade.
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Poderíamos teorizar sobre a solidão observando outras fotografias, mas será a sua intenção que observemos nessas imagens a solidão ou quererá o fotógrafo despertar em nós a atenção para o abandono, a velhice e a tristeza, componentes sociais do quotidiano? Estas e outras questões são importantes quando pretendemos ler as fotografias dos outros.

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Rio Douro, 1990.
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Paris, França, 1978.
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Londres, inglaterra, 1990.
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Das conversas que mantive com António Barreto pareceu-me ser seu intuito, intuito profundo, que a imaginação (ou seja, o que orientou a intenção do fotógrafo) não interfira com o real (aquilo que de facto está a ser fotografado). Isto é, que aquilo que transpareça na fotografia seja o mais aproximado do real e não aquilo que o próprio possa idealizar. Porque a fotografia, toda a fotografia, antes de ser imagem é concepção. E é esta complexa rede interpretativa que nos transporta à Fenomenologia de Husserl (1859-1938) ou seja, a uma abordagem conceptual ditada pelo “que se mostra em si mesmo, o que se revela”. Husserl rompe com o que até então estava estabelecido nas teorias da imagem, a maioria baseadas na filosofia cartesiana. É essa a conclusão de Jean-Paul Sartre em “L’imagination”, ensaio que apresentou em 1936 (não por acaso, é ao ensaio “L’imagination” de Sartre que Roland Barthes dedica Chambre Claire). Foi também em 1936 que Walter Benjamim escreveu “Pequena História da Fotografia”, inserida na obra Sobre Arte, Técnica, Linguagem e Política, que posteriormente abriu caminho a uma resposta de Vilém Flusser no “Ensaio sobre Fotografia – Para uma filosofia da técnica”, 1985.
A importância de lermos os trabalhos destes autores, todos sobejamente conhecidos, é a de ficarmos com uma maior capacidade interpretativa dos objectos fotográficos, isto é, ficarmos mais bem preparados para uma leitura da imagem fotográfica. Mas não há necessidade de complicarmos se o propósito for apenas o de evocar as sensações que nos provocam estas imagens.

Nazaré, 1983.
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No livro, optámos por legendas simples apenas com a informação essencial, até para que a leitura das fotografias não sofresse qualquer influência. Será difícil para o observador encontrar um fio cronológico ou temático para se orientar, porque também aí tentámos fazer uma sequência estética preterindo outras soluções que, ainda que porventura mais «lineares», pudessem condicionar a leitura do público. as duas centenas de fotografias, foram intencionalmente despidas de histórias, para que cada um faça a sua história, a sua própria interpretação. Há, no entanto, que ressalvar que o olhar fotográfico de António Barreto se manifesta como um prolongamento do pensamento do sociólogo, do ensaísta, do professor e do cronista. São quase 50 anos de registo fotográfico de um olhar que transmite a mesma consciência ética e estética, que persegue os mesmos objectivos, que permite construir uma narrativa coerente, baseada numa visão própria de quem tem a fotografia também como fonte de expressão e de pensamento.

Biblioteca Nacional de Paris, França, 2000.
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O seu olhar é os cantoneiros de Sabrosa e os mineiros de Oruro. Os desempregados da Lisnave e o António Cachapuz da Divor. É a paisagem dos Andes e as vindimas no Douro. As peixeiras da Nazaré e os peregrinos de Fátima. Os glaciares de Chamonix e a praia de Fontanelas. O memorial ao Holocausto em Berlim e as Pirâmides de Gizé. A menina de M’ Zab na Argélia e o rapaz em Pizac no Peru. O Inverno em Champigny e as férias no Cairo. A Muralha de Adriano em Inglaterra e a Ópera La Fenice em Veneza. A Piazza del Popolo em Roma e o Arco da Défense em Paris. É Oxford, Hay-on-Wye, Paris, Roma, Budapeste, Praga, Berlim, São Petersburgo, Lisboa, Lima, Patagónia, Azambuja, Genebra, Porto e Vilnius. São calceteiros, médicos, pescadores, estudantes, camponeses, empregados de escritório, metalúrgicos, professores, padres, mineiros, militares, polícias, advogados, turistas, é gente anónima. É testemunho.
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Seleccionadas entre alguns milhares de negativos e diapositivos a preto e branco (12.442), organizadas e contextualizadas as fotografias escolhidas surgem necessariamente como uma entre muitas possibilidades.
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Ângela Camila Castelo-Branco, Lisboa 20 de Agosto de 2010
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(Excertos do texto: “Ler Fotografia” de Ângela Camila Castelo–Branco in “António Barreto: Fotografias, 1967- 2010”).
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António Barreto acompanhou a produção do livro na gráfica Guide.

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António Barreto.
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Angela Camila Castelo-Branco.
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A exposição estará patente ao público de 12 de Novembro a 30 de Dezembro de 2010.

Das 14:00 às 19:00 de segunda a sábado.

Galeria Corrente d'Arte

Av. D. Carlos I, nº 109 - 1200-648 Lisboa
Tel. 213 941 722
correntedarte@sapo.pt/ A
bertura: das 14.00 às 19.00, de segunda a sábado

Fernando Lemos: "Eu sou a fotografia"

2010-10-11T21:30:00.004Z

Fernando Lemos está de novo em Lisboa, ali ao pé do bairro que o viu nascer, Campo de Ourique. A exposição Isto é Isto e Ex-Fotos está na Fundação Arpad Szenes - Vieira da Silva que mostra desenho e fotografia. No dia 9 de Outubro, o artista acompanhado dos comissários Filipa Valladares e João Pinharanda esteve à conversa com quem gosta de fotografia.

A partir do dia 17 de Outubro vamos poder assistir ao Ciclo Fernando Lemos na FASVS com filmes e documentários sobre o artista:

15 Outubro, Luz Teimosa, estreia no Doc'Lisboa 2010, às 19h00, na Culturgest.

17 Outubro, 7 e 21 Novembro, domingos, 15h30 Fernando Lemos – atrás da Imagem, de Guilherme Coelho, 2006, 55’

24 Outubro, 14 e 28 Novembro Foto Doc: Fernando Lemos, de Camila Garcia e Renato Suzuki, 2005, 30'. Fernando Lemos e o Surrealismo, de Bruno de Almeida e Pedro Aguilar, 2006, 10’

31 Outubro, 5 Dezembro Conversas com Glícinia, de Jorge Silva Melo, 2004, 55’

Janeiro 2011 (em dias a anunciar) Luz Teimosa, de Luís Alves de Matos, 2010, 75’ (estreia no Doc’Lisboa 2010, 15 Outubro, 19h00, Culturgest)

Artista plástico português, José Fernandes de Lemos nasceu em 1926, em Lisboa. A sua actividade estende-se a áreas como a pintura, desenho, fotografia, gravura, artes gráficas e poesia. Estudou pintura e litografia na Escola de Artes Decorativas António Arroio e, depois, pintura na Sociedade Nacional de Belas Artes, em Lisboa. Os seus tempos de adolescência foram passados dentro do meio artístico lisboeta. Aos 18 anos começou a trabalhar como desenhador de publicidade, o que aumentou o convívio com artistas e poetas. Desde cedo, Fernando Lemos definiu-se como "surrealista, pintando, desenhando, escrevendo poesia" e fotografando.Os poucos anos que dedicou à fotografia tiveram a sua origem depois de umas férias (1947) passadas com o pintor Vespeira nas ilhas Berlengas onde realizou uma série de pinturas sobre a água. A noção de a água poder integrar a própria pintura desencadeou nela a ideia da fotografia, partindo da evidência da imagem fotográfica surgir de um elemento líquido. Em 1949 comprou uma Flexaret e começou a fotografar. Nesta altura, já o período surrealista tinha passado e a fotografia que se fazia em Portugal era meramente paisagística. A necessidade inconsciente de liberdade de expressão levou Fernando Lemos a fotografar recorrendo a processos muito utilizados na fotografia surrealista (solarização, sobreposições, impressões em negativo e positivo) construindo uma linguagem de fragmentação da imagem (algo frequente, por exemplo, em Man Ray). Em 1953, em virtude da sua oposição ao regime salazarista, muda se para São Paulo, Brasil, naturalizando-se brasileiro por volta de 1960. Em 1955, ganhou o prémio viagem da Fundação Bienal de São Paulo (3.a Bienal) e viaja pela Europa. Em 1962 recebe uma bolsa de estudos para o Japão, patrocinada pela Fundação Calouste Gulbenkian. Na sua actividade como poeta e escritor integrou a redacção do jornal Portugal Democrático, um jornal dedicado aos exilados políticos no Brasil, entre 1955 e 1975. Dedicou se, também, à escrita de poesia e, em 1985, publicou o livro intitulado Cá & Lá, editado pela Imprensa Nacional, Lisboa. Na sua pintura, Fernando Lemos evoluiu de um abstraccionismo geométrico (anos 70) para uma pintura de "rigor" com elementos figurativos onde ressurgem formas orgânicas com um tipo de construção e composição no espaço que se pode comparar ao início da sua obra nos anos 1950. Esta pintura está enraizada na fantasia e no lirismo.Apesar de a sua actividade actual dominante ser a de designer e pintor, foi o seu espólio fotográfico que lhe permitiu ganhar o Prémio Anual de Fotografia, concedido pelo Centro Português de Fotografia, Porto, em 2001.
Fernando Lemos é desenhador, pintor, poeta e fotógrafo. Ou melhor, como costuma dizer o fotógrafo: "Eu sou a fotografia". Quem gosta muito de fotografia foi, no dia 9 de Outubro, à Fundação Arpad Szenes - Vieira da Silva, ouvir o artista falar sobre: "A nossa cara.", "O que é a fotografia?", "A alta-definição", " O olho", "A intimidade", "Ler fotografia.". Estivemos lá "para o que der e vier..." Gravei 2 Gigabites de conversa. Entretanto, esgotaram-se os Gigas e a conversa ficou a meio.

"Estamos aqui para o que der e vier."

"A fotografia de amadores.", "Eu sou a fotografia." Já me perguntaram também se eu era fotógrafo. Respondo: “Não. Eu sou a fotografia”. Em tudo o que vejo, é como se fosse a fotografia a ver essas coisas. Tenho a fotografia na minha cultura visual.

"A fotografia é ensinar a ver"

"Ler a fotografia"

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"O que é a fotografia?"

"A velocidade, a precisão, o original, a cóopia e a matriz."

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"A alta definição"

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"Isto é Isto!"

"O gesto, o olho e a intimidade."

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"O retrato e a procura da nossa cara!"
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"O autoretrato de Portugal!"

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África: See you, see me!

2010-10-03T19:13:00.000Z

"Daniele Tamagni. Dandies" que Chegaram da Republica do Congo. Vestidos com roupas à maneira europeia.

Daniele Tamagni. #1 Lalhande em frente do Photo Studio (Ed. 3/10). Gentlemen of Bacongo Series, 2008 Brazzaville. Cortesia da Galeria Michael Hopper. 100x66 cm, lambda print em aluminio.

Waka Photos

Michael Tsegaye. Alemaya Series. 2006, Ethiopia 50x33 cm.

George Osodi. Gold Mine Obuasi 2009, Ghana. 100x67 cm.

Majida Khattari. From the Series Voilée/dévoilée. 2007/2008 France. 33x50 cm.

Majida Khattari. Sac à main. 2007/2008 França. 33x50 cm.

Majida Kattari. Les Parisiennes. From the Series Voilée/dévoilée. 2007/2008 França. 100x66 cm.

Malik Nejmi, Bâ Oua Salâm, 2005 © Musée national de l’histoire et des cultures de l’immigration, CNHI.
« Tu es parti comme un voyageur, je suis revenu comme un fils d’immigré », Malik Nejmi é de origem franco-marroquina. Pode visitar o seu site aqui.

Mamadou Mbaye. Studio Portraits Series. c. 1960-70 Mali. From the Archive Collection of Manthia Diawara. 60x60 cm.

Nii Obodai. Retratos: As We Are. Da Serie Who Knows Tomorrow, 2009. 70x70 cm.

Bartelemy Toguo. Afrika Oil, 2005-2008. 20x26 cm.

Angèle Etoundi Essamba. Double dos et face, 2002. 50x33 cm, Lambda print between aluminium and acrylic.

Inês Gonçalves e Kiluanje Liberdade. Dama da Rainha.
Tchiloli, formiguinha da Boa Morte Series, 2008 São Tomé e Principe. 70x70cm.

Inês Gonçalves e Kiluanje Liberdade. Advogado.
Tchiloli, formiguinha da Boa Morte Series, 2008 São Tomé e Principe. 70x70cm.

Inês Gonçalves e Kiluanje Liberdade. Sibila, marquês de mantua e Ermelinda.

Tchiloli, formiguinha da Boa Morte Series, 2008 São Tomé e Principe. 70x70cm.

O tchiloli é uma representação teatral popular de S. Tomé e Príncipe, que encena as intrigas da corte de Carlos Magno como se elas fossem o paradigma cultural da população local. É uma celebração ritual, um acréscimo de solenidade para os momentos fortes do quotidiano: um casamento, um funeral ou apenas uma festa. E esta representação - que terá chegado ao então território colonial português no século XVIII associado à exploração da cana-de-açúcar - está de tal modo enraizada na cultura local que as personagens que cada membro da população representa em palco acabam por se colar à sua vida quotidiana e à sua própria identidade.

Andrew Esiebo. Football 50x33 cm.

Patrizia Guerresi Maïmouna. Ibrahim.

Patrizia Guerresi Maïmouna. La Mére-Minaret.

Patrizia Guerresi Maïmouna. Genitilla Al Wilada.

Patrizia Guerresi Maïmouna. Le Trône de Salomon.

Apinda Mpako and Ayanda Magudulela, Parktown, Johannesburg 2007 (© Zanele Muholi).

Daniele Tamagni. #1 Lalhande em frente do Photo Studio (Ed. 3/10). Gentlemen of Bacongo Series, 2008 Brazzaville. Cortesia da Galeria Michael Hopper. 100x66 cm, lambda print em aluminio.

Daniele Tamagni. Gentlemen of Bacongo Series, 2008 Brazzaville. Cortesia da Galeria Michael Hopper. 100x66 cm, lambda print em aluminio.

"Daniele Tamagni. Dandies" que Chegaram da Republica do Congo. Vestidos com roupas à maneira europeia.

Leia "Eis os homens mais elegantes de África", aqui no jornal ionline.

Lyle Ashton Harris. Ghanian Cell Phone Series. Gana. 50x33 cm.

Deb Willis. 2004 37x50 cm.

Marco Ambrosi. Africanos fotografados em Verona, Itália.

Africanos fotografados em Verona, Itália por Marco Ambrosio.

Africanos fotografados em Verona, Italia por Marco Ambrosio. Este retrato é de uma senhora que trabalha numa fábrica. Se olharmos com atenção vemos que uma das mãos, que é aquela com que trabalha, tem as unhas cortadas.

Portraits in Black são uma serie de fotografias tiradas em Verona, Itália, onde vive uma importante comunidade de cidadãos africanos. São pessoas com diplomas e licenciaturas que não podem usar em Itália. E são cidadãos ilegais. (in Público de 01/10/2010).

Marco Ambrosi o autor das fotografias aos africanos em Verona, Itália.

Aldo Sodoma. Girl in Beauty Supply Store. Da Serie The Portraits in Black.

Alfredo Muñoz de Oliveira. From the Series Cova da Moura, Lisboa, Portugal.

60x40 cm.

Delphine Diallo, fotografo senegalês.

Delphine Diallo. Back to àfrica, 2010. 66x100 cm.

Paulina Valente Pimentel. In the way of Ali Farka Series. 2002 Mali. Cortesia da Galeria 3+1 Arte Contemporânea. 100x67 cm.

Paulina Valente Pimentel. In the way of Ali Farka Series. 2002 Mali. Cortesia da Galeria 3+1 Arte Contemporânea. 100x67 cm.

Luis Basto. Um Sonho de Criança. 1998, Zanzibar, Tanzania. 50x33 cm.

Luis Basto. Povo da Beira. 2004, Moçambique. 33x50 cm.

Zanele Muholi. Massah and Minah Series. 2008 . 40x27 cm. Cortesia Michael Stevenson, Cap Town.

“AFRICA: SEE YOU, SEE ME”
The influence of african self-representation on contemporary Africa photography
a photography exhibition curated by AWAM AMKPA
Museu da Cidade de Lisboa

SEPTEMBER 30 – NOVEMBER 28 de 2010

Fotografias de :

MARCO AMBROSI, LUIS BASTO, OLOGEH OTUKE CHARLES, MATTEO DANESIN, DELPHINE DIALLO, SOIBIFAA DOKUBO, ANDREW DOSUNMU, ANIRBAN DUTTAGUPTA, ANDREW ESIEBO, ANGÈLE ETOUNDI ESSAMBA, INÊS GONÇALVES, P. MAÏMOUNA GUERESSI, HASSAN HAJJAJ, LYLE ASHTON HARRIS, UCHE OKPA IROHA,MAJIDA KHATTARI, STANLEY LUMAX, MAMADOU M’BAYE, ZANELE MUHOLI, MALIK NEJMI, CEDRIC NUNN, NII OBODAI, J.D. OJEIKERE, ALFREDO MUÑOZ DE OLIVEIRA, GEORGE OSODI, ZAK OVÉ, PAULIANA VALENTE PIMENTEL, MALIK SIDIBE, ALDO SODOMA, DANIELE TAMAGNI, HANK WILLIS THOMAS, BARTELEMY TOGUO, MICHAEL TSEGAYE, DEB WILLIS

África: See you, see me!

2010-10-02T22:27:00.001Z

ISTO É ISTO e EX-FOTOS de Fernando Lemos

2010-09-29T17:34:00.000Z

O jantar caiu-nos mal
Fernando Lemos
Série EX-FOTOS, 2005/09
impressão jacto de tinta colada / pvc
67 x 100
cmed. 2/5

Os trabalhos recentes agora apresentados, realizados entre 2005 e 2009, apesar de terem por base a fotografia, dividem-se entre desenhos e fotografias, justificando deste modo a dualidade do título da exposição: “ISTO É ISTO” constitui um conjunto de 154 desenhos, realizados ao longo de um ano num caderno de apontamentos de capa dura, de pequeno formato (A5), que a par dos desenhos estará também ele exposto; “EX-FOTOS” refere-se ao núcleo da fotografia, onde são apresentadas 20 fotografias feitas a partir de provas fotográficas de amadores, rejeitadas, que Lemos aproveitou para trabalhar, riscando, rasgando e pintando sobre o original, re-fotografando-as digitalmente e imprimindo-as no formato 70x100 cm.

Vergonha pelo atrazo
Fernando Lemos
Série EX-FOTOS, 2005/09
impressão jacto de tinta colada / pvc
67 x 100
cmed. 2/5

Desde 2008, a Fundação EDP tem vindo a promover e patrocinar exposições conjuntas e edições de catálogos com a Fundação Arpad Szenes-Vieira da Silva (FASVS), quer na própria FASVS – 'Desenhos de Adriana Molder' (2008), 'Desenhos de António Sena' (2009) e 'isto é isto' & 'ex-fotos' (2010); 'Vieira da Silva Arpad Szenes e o Castelo Surrealista' (2008) – quer no Museu da Electricidade – 'Le couple' (2008), 'Atelier de Vieira e Arpad' (2009) ou, no próximo mês de Novembro, 'As Cidades de Vieira e Arpad'.

Isto é isto é um caderno, no formato A5, que reúne 154 desenhos de Fernando Lemos, uma espécie de diário no qual o desenho assume praticamente todo o protagonismo retratando com ironia e um enorme sentido de humor, os absurdos do nosso quotidiano. Comissariada por João Pinharanda, esta exposição mostra ao público um dos exemplares dessa série de cadernos; os desenhos são feitos a lápis, caneta, ponta de feltro. As páginas do caderno desmanchado são expostas em paredes-vitrines de 4 metros de modo a permitir a visualização frente e verso.

Ex-fotos dá nome a uma série de 20 fotografias de autores anónimos rejeitadas pelos próprios como tantas vezes acontece ao comum dos fotógrafos amadores; Fernando Lemos resgata-as e confere-lhes uma segunda vida trabalhando-as com água, raspando-as, e pintando-as para depois voltar a fotografá-las digitalmente e imprimir no formato 70 x 100 cm. O título, marcadamente surrealista, remete-nos para os diversos mitos atribuindo à fotografia o poder de roubar ou expor a alma daquele que se fotografa.

Ainda recentemente, quatro dos trabalhos fotográficos (1949-52) de Fernando Lemos foram mostrados ao público na Exposição POVO - PEOPLE no Museu da Electricidade (Quando eu for grande quero ser uma santa, Os pais de Vespeira e amigos, Moledo do Minho) e Sargaço e paleio.

Isto é isto e ex-fotos: desenho e fotografia oferecem o melhor dos enquadramentos a Jorge Silva Melo que, a 3 de Outubro às 16h, lê alguns dos poemas de Fernando Lemos, publicados em Teclado Universal, o seu primeiro livro de poesia, nos Cadernos de Poesia.

Durante o tempo de permanência da exposição, nas tardes de domingo de Outubro e Novembro, decorre um ciclo de documentários no auditório da Fundação Arpad Szenes-Vieira da Silva: Fernando Lemos – atrás da Imagem de Guilherme Coelho, 2006 (55’) e Foto Doc: Fernando Lemos de Camila Garcia e Renato Suzuki.

Exposição de José Magalhães.

2010-09-25T20:17:00.003Z

Exposição de Paulo Freitas.

2010-09-18T20:55:00.001Z

A Galeria Pente 10 – Fotografia Contemporânea inaugura no dia 21 de Setembro, terça-feira, a exposição “Cinzas”, de Paulo Freitas. A exposição consiste em 18 imagens a preto e branco, obtidas entre 2005 e 2009.
“Vivo à noite num palco de projecções íntimas. Viajo sozinho pelas ruas vazias das cidades. Procuro histórias com finais felizes, mas abandono-as na desilusão. (...) Numa fuga constante à hipocrisia das sociedades, exploro certos territórios e tento compreendê-los como uma forma de abordar a existência das relações mais íntimas. (...) Privilegio uma relação mais verdadeira com o mundo em detrimento de um projecto estético. Longe de tudo o que é supérfluo, procuro o necessário. Tudo aquilo que consumo hoje, acabará por me consumir amanhã. Um vício íntimo.”

Paulo Freitas, in texto da exposição “Cinzas.”

Paulo Freitas nasceu em 1975 em Braga. Em 1995 muda-se para Lisboa
onde se forma em fotografia pelo Ministério da Defesa Nacional.
Desenvolve projectos pessoais utilizando a fotografia como forma de
expressão.
O seu mais recente trabalho espelha a noite, os vícios e a auto-destruição.

Galeria Pente 10 - Travessa da Fábrica dos Pentes, 10 (ao Jardim das Amoreiras) 1250-106 Lisboa.
Tel. 91 885 15 79 /21 386 95 69

Inauguração terça-feira, 21 de Setembro de 2010, às 19H00. A exposição estará patente até 12 de Novembro

- Horário: 3ª a Sábado, 15H00 às 19H30

Metro: Rato

Imagens Proibidas de Pedro Paixão

2010-07-15T10:06:00.004Z

Pedro Paixão mostra "Imagens Proibidas" na Pente 10, em Lisboa. No dia da inauguração leu (muito mal), 30 minutos do seu jantar com um quase-amigo no Nobu, um concorrido restaurante japonês na Hudson.

A Galeria Pente 10 surpreendeu de novo os que gostam de fotografia. As fotografias de Pedro Paixão são tão eróticas como a sua escrita, sendo que de escrita nada percebo. O fotografo já publicou dois albuns de fotografias e já nos mostrou muitas poloroides, a maioria em ilustrações de artigos de revistas. No dia da inauguração a temperatura demasiado alta entrava pela galeria a dentro. Enquanto isso, imagens proibidas escutavam a Paixão segundo São Mateus de Johann Sebastian Bach.

Não serviram champanhe, mas havia morangos. Estavam reunidas todas as condições para o filme que o autor pretende realizar. Sobravam as mulheres, mas continuava a faltar a pistola. Será a sua Leica uma especie de pistola?

"Imagens Proibidas" de Pedro Paixão.

2010-07-01T15:31:00.000Z

A Galeria Pente 10 – Fotografia Contemporânea inaugura no dia 6 de Julho, terça-feira, a exposição “Imagens Proibidas”, de Pedro Paixão. A exposição consiste em 33 imagens a cores, obtidas em 2010.

Será lançado o livro Imagens Proibidas, do mesmo autor. “As ruas de Nova Iorque pertencem-te porque as conquistaste, uma a uma. Aqui deste lado não poderias ser quem eras, quem serias. Fugiste de um mundo pequenino, de uma asfixia. Agora de ti nada sei: de que te alimentas, quem amas, onde dormes. Nem desejo saber. Basta-me lembrar-te como quem relembra uma música. Eu quis-te com uma violência que desconhecia. Tu levaste-me para paragens inóspitas, repletas de perigos. Por ti senti pavor. Por ti senti raiva. Por ti senti desespero. Entre nós havia sempre uma impossibilidade, um vazio. Tu eras em tudo um bicho indomável. Nunca te oferecias. Era preciso ir buscar-te aos lugares mais secretos. Tive de inventar a fotografia para te capturar em imagens proibidas”

Pedro Paixão, in texto da exposição “Imagens Proibidas.”

Pedro Paixão nasceu em Lisboa no mês de Fevereiro de 1956. A mãe, farmacêutica, nasceu em Pawtucket, Rhode Island, EUA. O pai, engenheiro agrónomo, nasceu na Abrunhosa do Mato, uma aldeia da Beira Alta. Tem uma irmã e uma sobrinha. É casado pela quarta vez e tem um filho. Foi aluno do liceu Francês Charles Lepierre, do Liceu Pedro Nunes e frequentou durante três anos o Instituto Superior de Economia. Estudou em Lovaina e Heidelberga, entre outras disciplinas, Filosofia, tendo-se doutorado aos 29 anos. Trabalhou para a fundação do semanário “O Independente”, que abandonou ao sétimo número. Em 1989, com Miguel Esteves Cardoso, fundou a agência Massa Cinzenta, Empresa de Ideias, da qual foi sócio gerente até 1995. Foi professor de Filosofia na Universidade Nova de Lisboa, mas desistiu da carreira académica. Publicou 21 livros e 2 álbuns de fotografias. Escreveu dois textos para teatro e um para ópera. Começou a escrever guiões para filmes. Nunca recebeu qualquer prémio, nem foi escolhido para representar o seu país. Foi membro de uma associação política clandestina que abandonou em 1974, pouco tempo depois de ser legalizada. Nunca votou. Não é membro de qualquer associação, clube, partido ou igreja. Nada no mar quase todos os dias do ano.

Pedro Paixão - Imagens Proibidas

Pente 10 - Travessa da Fábrica dos Pentes, 10 (ao Jardim das Amoreiras) 1250-106 Lisboa

Tel. 91 885 15 79 /21 386 95 69

- Contacto: Catarina Ferrercatarina@pente10.com http://www.pente10.com/

Inauguração terça-feira, 6 de Julho de 2010, às 19H00.

A exposição estará patente até 31 de Julho de 2010

- Horário: 3ª a Sábado, 15H00 às 19H30 Metro: Rato

História desconhecida dos portugueses na Ásia: os fotógrafos portugueses dos reis do Sião

2010-06-11T12:35:00.000Z

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Essa primeira foto terá sido tirada por Francis Jittr [ou Chit] (1830-1891), um católico siamês luso-descendente, natural da paróquia de Santa Cruz de Thonburi, na margem oposta a Banguecoque. Francis foi um caso de sucesso na adaptação à mudança e pelos relevantes serviços prestados à corte em dois reinados (Rama IV, Rama V), recebeu a distinção do título de nobreza de Khun Sunthornsathitsalak. As suas vistas de Banguecoque, tipos sociais, naturezas mortas, monumentos e retratos da elite siamesa integram hoje qualquer antologia da história da fotografia no Sudeste-Asiático. Abriu um estúdio de fotografia na New Road (ou Charoen Krung) e foi muito procurado por notabilidades e diplomatas em trânsito pela Veneza do Oriente. Era muito requestado, mas dava-se ao luxo de se atrasar, de cancelar sessões e fazer esperar clientes. Um dos nossos embaixadores à corte siamesa esperou quatro dias pelo artista, até que este condescendeu em fazer-lhe uma sessão de estúdio e outra ao ar livre, nos jardins da Missão Portuguesa.

2010-05-28T09:28:00.001Z

A ERMIDA Nª SRª DA CONCEIÇÃO TEM A HONRA DE CONVIDAR VOSSA EXª PARA A INAUGURAÇÃO DA EXPOSIÇÃO DE FOTOGRAFIA ”THE LAST CIGARETTE” DE RITA BARROS, SÁBADO 5 DE JUNHO 2010 ÀS 18:00. PATENTE ATÉ 18 DE JULHO.

2010-05-19T22:31:00.001Z

EXPOSIÇÃO “TERRAE” DE MANEL ARMENGOL

A Galeria Pente 10 - Fotografia Contemporânea inaugura a 18 de Maio a exposição Terrae, de Manel Armengol. Esta exposição reúne um conjunto fotografias realizadas pelo autor na Islândia, entre 2003 e 2008. As imagens aqui apresentadas, são paisagens a preto e branco onde os elementos naturais são mostrados na sua dureza crua, e onde tudo o que não é essencial parece que foi retirado. Imagens plenas de força, que nos mostram paisagens sóbrias, surpreendentes e poderosas.

Nesta visão entre o céu e a terra, Armengol mostra paisagens de grandes contrastes, onde rochas vulcânicas e neve, mar e céu, se misturam com a violência calma do preto e branco, acompanhando o tempo lento da matéria mineral. Algumas destas imagens são de grandes formatos (125x150cm) o que lhes confere um impacto ainda maior, perante a força da natureza

aí representada.

No piso inferior da Galeria é ainda apresentada uma selecção de imagens resgatadas das suas viagens pelos Estados Unidos nos anos 70. Estas imagens a cores (feitas a partir de diapositivos e impressas no quase extinto Cibachrome), mostram-nos momentos que documentam o fascínio do autor pela vida urbana de Nova York nos anos 70. Nelas podemos ver em cores vivas e altos contrastes de luz, pormenores de espaços urbanos, misturando arquitectura e rua, carros e cores, pessoas e paisagem. Podemos encontrar ainda algumas das personagens habituais que povoavam o Studio 54 nos anos 70, como sejam Andy Warhol ou Divine.

Manel Armengol (Badalona, Barcelona 1949), vive e trabalha em Barcelona. Estudou jornalismo e fotografia e durante os anos 70 anos dedicou-se à reportagem fotográfica para imprensa, como fotojornalista independente para diversos diários e revistas de Barcelona e Madrid.
As fotografias da repressão policial contra uma manifestação pacífica pela liberdade, em Barcelona (1976), constituíram o primeiro passo de reconhecimento do autor no mundo da fotoreportagem, depois de serem publicadas na imprensa internacional. Durante quatro anos realizou numerosas reportagens políticas e sociais em viagens como correspondente a países do
Oriente e América Central ou Estados Unidos.

Colaborou desde os anos 80 com diversas publicações espanholas e internacionais e deu aulas nas Universidades de Bellaterra e Pompeu Fabra de Barcelona.
No início dos anos oitenta sofre um acidente que o obrigou a uma convalescença longa e a abandonar o fotojornalismo. A partir desse momento muda a temática da sua obra e a forma de abordar a fotografia. No início dos anos 90 recupera o preto e branco e fotografa a natureza em grande formato para a série Elementos. Retorna à natureza com Crónica de Islandia e Herbarium a partir de 2003.

Expõe pela primeira vez em 1980 na Galería Spectrum-Canon, de Barcelona. Desde aí tem exposto regularmente destacando-se nos últimos anos "Retrats d'Herbes" no Instituto Botânico de Barcelona, 2005, “Herbarium" Triangle Gallery, Barcelona, 2008, “Manel Armengol. Transições. 70s em Espanha, China, Estados Unidos”, no Arquivo Municipal de Lisboa/Arquivo Fotográfico e “Terrae”, Galeria Tagomago, Barcelona, 2009.
Editou vários livros dos quais se destacam: El jardín de los Guerreros (Ed. Lunwerg, 1987), Voices of Water e Memories of Winds (Ed. Shiseido Word,Tokyo 2001), Herbarium (Turner Editores, 2007), Terrae (Turner Editores, 2009).
As suas obras estão presentes em várias colecções privadas e públicas de Espanha, Estados Unidos e Japão, entre as quais se destacam a colecção permanente do MNAC (Museu Nacional d’Art de Catalunya) e a Fundació Foto Colectania em Barcelona.
(PRESS RELEASE)

Curadoria:
Filipa Valladares

Exposição co-produzida com:
Galeria Tagomago- Barcelona

19 de Maio até 3 de Julho de 2010
3ª a Sábado, 15H00 às 19H30

PENTE 10 - FOTOGRAFIA CONTEMPORÂNEA

Travessa da Fábrica dos Pentes, 10, 1250-025 Lisboa
Tel. 21 386 95 69 Tel. 91 885 15 49
info@pente10.com www.pente10.com

"Manel Armengol vive e trabalha em Barcelona. Estudou jornalismo e fotografia e durante os anos 70 anos dedicou-se à reportagem fotográfica para imprensa, como fotojornalista independente para diversos diários e revistas de Barcelona e Madrid. As fotografias da repressão policial contra uma manifestação pacífica pela liberdade, em Barcelona (1976), constituíram o primeiro passo de reconhecimento do autor no mundo da foto-reportagem, depois de serem publicadas na imprensa internacional. Durante quatro anos realizou numerosas reportagens políticas e sociais em viagens como correspondente a países do Oriente e América Central ou Estados Unidos. No início dos anos oitenta sofre um grave acidente que o obrigou a uma convalescença longa e a abandonar quase definitivamente, o fotojornalismo. A partir desse momento Armengol assume uma mudança temática na sua obra e na forma de abordar a fotografia. Recupera o preto e branco no início dos anos noventa e fotografa a natureza em grande formato para a série Elementos. Expõe pela primeira vez em 1980 na Galeria Spectrum-Canon, de Barcelona. Desde aí tem exposto regularmente destacando-se nos últimos anos os Retrats d'Herbes no Instituto Botánico de Barcelona, 2005, Herbarium, Triangle Gallery, Barcelona, 2008, MANEL ARMENGOL. TRANSIÇÕES. 70s em Espanha, China, Estados Unidos”, no Arquivo Municipal de Lisboa/Arquivo Fotográfico e Terrae, Galeria Tagomago, Barcelona, 2009. Editou vários livros dos quais se destacam: El jardín de los Guerreros (1976), Voices of Water e Memories of Winds (2001), Herbarium (2007), Terrae (2009).
Está representado em numerosas colecções privadas e públicas de Espanha, Estados Unidos e Japão, entre as quais a colecção permanente do MNAC (Museu Nacional d’Art de Catalunya) e a Fundació Foto Colectania em Barcelona."

"Terrae" Manel Armengol na Pente 10

2010-05-18T12:34:00.000Z